Daher ist dies in Teilen auch ein subjektiver Vergleich der beiden Kameras.

Lichtstark und nicht preiswert: das Leica NOCTILUX-M 50 mm f/0.95 – Quelle: Leica

Im Wesentlichen kann ich zusammenfassen, dass sich für mich vor allem Art der Fotografie änderte: Die Canon Bilder werden sehr professionell, die Leica Bilder werden poetisch. Im folgenden Text meine wichtigsten Eindrücke und ein paar Bildbeispiele, die das Ergebnis untermauern helfen:

Die Lichtstärke

Die Canon 5D kann mit ISO 1.600 in Kombination mit einem lichtstarken Objektiv in ebenso schwierigen Lichtverhältnissen operieren wie die Leica M9-P in Kombination mit dem Noctilux. Die Leica ist bis ISO 800 noch recht gnädig, darüber hinaus sind insbesondere Farbfotos verrauschter als es bei Canon bei dieser ISO Zahl der Fall wäre. Insofern gleichen das lichtstärkere Objektiv an der Leica und die besseren Sensoreigenschaften der Canon 5D einander aus.

Nur für Available-Light-Fotografie ein Noctilux kaufen ergibt daher keinen Sinn. Im Dunkeln bei der Canon 5D die ISO-Zahl hochdrehen ist vielleicht nicht die eleganteste Methode zum Fotografieren – die Ergebnisse überzeugen aber. So ist die teure, optische Lösung Noctilux der elektronischen Lösung bei Canon gleichwertig.

Es ist mehr der Charakter der bei Blende 0.95 entstehenden Bilder und die Abbildungsleistung des Objektivs die einmalig sind.

Leica-Fotografie

Leica M9-P mit Noctilux 0.95

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Die Schärfe

Canon und Leica erzielen mit den jeweils genannten Objektiven exzellente Schärfen. Die Besonderheit des Noctilux ist natürlich die extrem dünne Schärfentiefe bei offener Blende. Ich mache fast alle meine Fotos mit offener Blende. Der Effekt ist eine wunderschöne Unschärfe und so werden Motive, die mit mehr Schärfentiefe fotografiert, sonst recht langweilig würden, besonders interessant. Sie wirken gerade zu poetisch.

Es ist mittels der geringen Schärfentiefe auch leichter mit dem Bild eine Geschichte zu erzählen. Das Interesse des Betrachters kann leichter gelenkt werden und unwichtige Dinge werden mittels Unschärfe aus dem Fokus des Betrachters genommen. Umso präziser muss allerdings auch der Fokus sitzen.

Der Fokus

An der Leica M9-P muss man manuell fokussieren! Das war meine größte Sorge, war ich es doch gewohnt an der Canon 5D stets den Daumen auf dem Joystick für die Anwahl des Schärfepunktes zu haben und mittels Autofokus die eigentliche Fokussierung der Kamera zu überlassen. An der Canon löste ich dann in der Regel drei mal in weniger als einer Sekunde aus und es war meist ein guter Schuss im Kasten.

Da die Canon 5D bislang nur einen Kreuzsensor in der Mitte des Bildes hatte, war es bei schlechten Lichtverhältnissen oder fehlenden Kontrasten im Bild jedoch auch viel schwieriger: Ist es dunkel und bewegt sich das Motiv, ist der Fokus oft auch nur ein Lucky-Shot. In der Praxis machte ich mit der Canon einfach ein paar Bilder mehr und wählte am Computer das Beste aus.

Es ist tatsächlich das Fehlen der Kreuzsensoren außerhalb des mittigen Feldes, das ich am meisten an der Canon 5D vermisste.

Das manuelle Fokussieren an der Leica stellt das Gegenprogramm zum Autofokus der Canon dar. Jedoch ist es viel leichter als gedacht: Mir hat es sehr geholfen den Fokussierring stets auf die Naheinstellgrenze einzustellen und dann einmalig mit einer Bewegung in eine Richtung bis zum gewünschten Fokuspunkt zu drehen und dann auszulösen. Anschließend drehe ich den Fokusring wieder zurück auf die Naheinstellgrenze. Beim nächsten Bild verfahre ich identisch.

In der Dunkelheit ist das Fokussieren auch an der Leica nicht einfach. Auch hier ist ein Kontrastpunkt oder eine Kontrastkante hilfreich um den Fokus richtig einzustellen. Eine Bildserie zu schießen geht auch mit der Leica, aber es sind maximal 2 Frames pro Sekunde möglich und das ist zu wenig um Qualität mit Quantität zu kompensieren.

Mittlerweile vermisse ich den Autofokus nicht mehr und komme sehr gut mit der manuellen Fokussierung zurecht.

Die Methode

Ganz unterschiedlich ist die Methodik der Fotografie. Mit der Canon erfolgte zunächst immer die Wahl des Bildausschnitts, anschließend die Fokussierung. Bei der Leica habe ich zwar auch das Motiv im Auge, aber zunächst wird der Schärfepunkt im Bild fokussiert und anschließend der Bildausschnitt gewählt. Dies ist durch zwei Dinge bedingt: erstens kann an der Leica nur mittig fokussiert werden und zweitens ist der gewählte Bildausschnitt nicht hundertprozentig identisch mit dem Bild im Sucher. Im Gegensatz zum Sucherbild bei der Canon 5D.

Bei der Canon neigte ich bei wenig Licht zur Leica-Methode, da nur in der Mitte des Suchers der verlässlichere Kreuzsensor war.

Canon-Fotografie

Canon 5D mit EF 50/1,4

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Die Geschwindigkeit

Die Canon ist oberflächlich betrachtet schneller. Jedoch kann ich nicht sagen, dass mir Bilder mit der Leica entgingen, die ich nur mit der Canon hätte machen können. Selbst vorbeigehende Menschen können gut mit der Leica fotografiert werden. Auch hier gilt, dass bei der Canon auch der Fokus nicht immer beim ersten Bild perfekt sitzt. Dies wird durch mehr Frames nach dem Prinzip Quantität statt Qualität kompensiert.

Bei der Leica muss man sich alleine auf sein Auge verlassen und die Schärfe antizipieren. Mit 0.95 ist dies eine echte Herausforderung! Ein Abblenden auf 1.4 oder sogar 2.0 kann hier mehr Raum für Schärfe geben. Die Geschwindigkeit des Leica Bildschirms zur Bildkontrolle ist langsam und überhaupt nicht mit der Canon vergleichbar.

Das Handling

Die Canon hat den ergonomischen Griff. Die Leica ist im Wesentlichen ein lederbezogener Kasten mit zum Teil aus dem Vollen gefrästen Bauelementen. Die Leica ist aber leichter, einfacher mitzunehmen und gerade in Kombination mit den kleinen Objektiven unauffälliger. Das Fotografieren geht mit beiden gut. Ich habe aber mehr Freude daran, die Leica dabei zu haben.

Die Nähe zum Motiv

Wenn man gerne mit 50mm oder 24mm fotografiert, muss man oft nah an das Motiv heranrücken. Die Canon 5D macht den Menschen dabei Angst. Die Leica fällt entweder nicht auf oder wird nicht ernst genommen. Eher im Gegenteil: Es gibt viel Sympathie für die vermeintlich antike Lady. Mit dem Noctilux habe ich noch ein sehr großes Objektiv an der Kamera. Bei einem kleineren Objektiv würde der Effekt des Nicht-Bemerkt-Werdens noch deutlicher.

Auch sieht der Fotografierte das Gesicht des Fotografen – anders als bei der Canon, wo das gesamte Gesicht durch die Kamera verdeckt ist. Dieses psychologische Element ist für die Ehrlichkeit des Bildes mit ausschlaggebend.

Mit der Leica kommt man näher an das Motiv und es ist leichter Vertrauen aufzubauen. Etwas schade ist, dass man bei der Naheinstellgrenze von einem Meter für das Noctilux nicht noch näher an das Motiv heran kann.

Fazit

Am Ende zählt das Bild. Die Canon 5D mit dem 1.4er 50mm macht sehr gute, perfekte und professionelle Bilder. Die Leica in Kombination mit dem Noctilux macht aber einfach interessantere Bilder.

Leica war fast pleite. Dann kam die M9 – die erste Vollformat-Sucherkamera der Welt. In der Zwischenzeit schreibt Leica schwarze Zahlen. Für die M9 gibt es Wartelisten. Mancher Leica-Fan ist bereit, mehr als den Listenpreis zu zahlen, um die Kamera gleich zu bekommen.

Sebastian Junghänel war in New York, in Los Angeles, in Berkeley und in Moskau mit der M9 und dem unvergleichlichen Leica Noctilux unterwegs. Junghänel (33) lebt in Prag. Anm. d. Red.

Aktuell bei Amazon das Intuos4 Size M(!) und eine Adobe-Lightroom-Lizenz im Paket für schlappe dreihundertnochwas.

Unter allen Fotografen die bis zum 31. August 2011 – 24:00 Uhr – auf The floating image ein floating Image veröffentlichen verlose ich ein Wacom Intuos 4 S A6 wide Grafiktablett – M.R.

Die Intuos4 ExpressKeys können den Arbeitsablauf in Adobe Lightroom erheblich vereinfachen: So kann mittels der anwendungsspezifischen Eigenschaften ein ExpressKey mit der Taste „B“ belegt werden, um ausgewählte Bilder der Schnellsammlung einzuordnen.

Bei der Sichtung von Photos kann man so schnell und ohne Umwege Fotos in die engere Auswahl aufnehmen.

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In sämtlichen Lightroom-Modulen wird der aktuelle Katalog als sogenannter Filmstreifen am unteren Bildschirmrand angezeigt.

Wenn man den Mauszeiger über den Filmstreifen bewegt, kann man mit dem Touch Ring des Intuos4 durch den Katalog links beziehungsweise rechts scrollen. Dies ist besonders praktisch, da sämtliche Bilder im Katalog auch außerhalb des Moduls Bibliothek erreichbar sind.

... mit dem Touch Ring des Intuos4 durch den Katalog links bzw. rechts scrollen.

Das Grafiktablett von Wacom aus der Intuos4-Reihe. Neues Handling im digitalen Workflow mit Grafiktablett und Adobe Lightroom.

Die wichtigen Lightroom-Funktionen Bildsortierung und Bildbearbeitung werden von den Wacom Intuos4 Grafiktabletts unterstützt. Damit ermöglichen sie Profi-Fotografen und Enthusiasten ein neues Handling im digitalen Workflow.

In der Praxisreihe – Intuos4 und Adobe Lightroom – werden in den nächsten Tagen Tipps auf Bw3 erscheinen, die zwar nicht den gesamten Funktionsumfang abdecken, aber auf jeden Fall Anregung liefern, wie man Lightroom und so ein Tablett optimal zusammenbringt.

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Die 2.048 Druckstufen des Intuos4 sorgen zusammen mit dem Retuschierpinsel für eine präzise Bildbearbeitung und ein einfaches Handling mit Resultaten, die natürlich aussehen. Das Sortieren der Bilder mit dem Grip Pen fühlt sich für den Anwender fast genauso an wie das manuelle Sortieren an einem traditionellen Leuchttisch.

Zusätzlich gestatten die personalisierbaren Intuos4 ExpressKeys und der Touch Ring einen schnellen Zugriff zu den meistbenutzten Tastaturkürzeln – für einen effizienteren digitalen Workflow.

Steuern der Pinselgröße mit dem Touch Ring des Intuos4

Der Korrekturpinsel hat bereits eine drucksensitive Funktion: durch Druck auf die Intuos4 Stiftspitze lässt sich die Deckkraft des Effekts bei diesem Werkzeug intuitiv anwenden, nicht aber die Pinselgröße.

Aber man kann über das Scroll-Feature des Touch Rings die Pinselgröße einfach steuern. Dabei muss sich der Touch Ring in der ersten Belegungsebene befinden (die erste LED sollte hierbei leuchten) und dann kann die Pinselgröße durch Gleiten des Fingers nach links/rechts über den Touch Ring variiert werden. (s. Abbildung)

... durch Gleiten mit dem Finger nach links beziehungsweise nach rechts.

Das Interview mit Andreas Trampe hat Bernd Wohlert von DOK5 geführt. DOK5 ist eine Firma aus Hamburg, deren Spezialgebiet die Verschlagwortung, das sogenannte Keywording von Bildern ist.

STERN-Bildchef Andreas Trampe bei der Sichtung von Bildmaterial. (Würde ich mit Photoshop eine Tasse oder zwei Gläser verschwinden lassen, wäre das im Sinne journalistischer Ethik Manipulation)

Wozu brauchen wir Fotos?
Andreas Trampe: Es ist eigentlich simpel. Fotos transportieren Informationen in Sekundenschnelle. Sie sind global, das heißt es ist die einzige Sprache, die um den ganzen Erdball herum gesprochen und verstanden wird. Man kann Sachzusammenhänge extrem schnell erfassen. In bestimmten Bereichen sind Bilder auch ein Beweis für eine Schilderung und sie transportieren diese Informationen und Emotionen innerhalb von Sekunden. Nichts ist so emotional wie ein gutes Bild. Ein Bild ist einfach schneller als Texte. In unserer Häppchengesellschaft ist das natürlich erwünscht.

Die französische Illustrierte „Paris Match“ startete 1949 mit der Devise: „Das Gewicht der Wörter und der Schock der Fotos“. Eine zutreffende Charakterisierung des Verhältnisses von Text und Bild?

Es ist natürlich marketingmäßig sehr zugespitzt. Im Fotojournalismus ist es so, dass man Geschichten schnell erzählen, Sachverhalte auf den Punkt bringen, Emotionen vermitteln will.

Wenn man dann global aufgestellt ist wie der STERN, und z.B. mit einem Fotografen aus Thailand oder Brasilien produziert, der nicht im STERN sozialisiert wurde, dann ist es natürlich sehr schön, wenn der seine Inhalte veröffentlichen kann in einem Medium, das universell funktioniert.

Ein gutes Foto schafft im Gegensatz zum Film auch noch etwas Bleibendes, weil es die Zeit anhält.

Gute Bilder fressen sich ins Hirn. Gute Fotos sind in der Lage, Geschichte einzufrieren.

Welche Merkmale hat ein derart herausragendes Foto?
Ein herausragendes Foto, ein gutes Foto reduziert komplexe Realitäten, Ereignisse oft nur auf ganz winzige Bruchteile. Es macht sich frei davon, alles erzählen zu wollen, es erzählt nur einen bestimmten Teil einer Geschichte, es ist immer emotional. Es erzeugt Mitleid, Empathie, Schadenfreude, Glück.

Es gibt natürlich auch Feature Fotos, die zu Ikonen der Bildsprache werden, obwohl sie im klassischen Verständnis geringe Relevanz haben. Das Foto von Robert Doisneau mit dem küssenden Liebespaar ist so ein Feature Foto, das über Jahrzehnte funktioniert.

Die Emotion steht klar im Vordergrund. Der Nachrichtenwert ist vergleichsweise gering.

Bei Nachrichtenfotos dagegen ist der Zeitwert einfach niedriger, außer bei Ikonen der Nachrichtenfotografie. Diese Fotos müssen extrem wichtige Ereignisse aufgreifen wie den Napalm-Angriff in Vietnam oder die Hinrichtung des Vietkong-Kämpfers in Saigon.

Auch hier gilt: Je stärker die Emotionen im Vordergrund stehen um so mehr kann das Foto für lange Zeit überleben.

Das berühmte Foto von Robert Doisneau war gestellt, entstand im Rahmen einer Auftragsarbeit. Wie gehen Sie mit dem Problem der Objektivität im Bildjournalismus um?

Fotos sind oft gestellt. Und sie sind natürlich immer gestellt dadurch, dass der Fotograf selber die Szenerie verändert. Aber das ist noch keine Manipulation.

Eine Familie, die in einem Krankenhausflur sitzt, sitzt dort anders, wenn sie fotografiert wird als wenn sie nicht fotografiert wird. Leute, die eitel sind, gucken anders auf Fotos oder fahren sich noch mal durchs Haar, streichen den Rock oder die Hose noch mal zu recht.

Ich finde, die Manipulation fängt dann an, wenn Szenen extra inszeniert werden. Also, wenn die Familie niemals auf dem Krankenhausflur gesessen hätte, wenn die Frau sich einen anderen Rock anzieht, weil er besser aussieht als der, den sie anhatte. Wenn Realität massiv verändert wird, um bestimmte Aussagen zu generieren, dann beginnt Manipulation.

Da muss gar keine verwerfliche Absicht vorliegen, aber es ist doch eine Manipulation im kleineren Maßstab.

Und es gibt natürlich auch große Manipulationen, oder Situationen, wo es völlig aus dem Ruder läuft, wo Menschen deshalb erschossen werden, weil ein Fotograf in der Nähe ist.

Außerdem: wir sind nicht dabei, wenn Fotos gemacht werden. Ob ein Soldat in einem Konflikt oder ein Passant hingestellt worden ist oder nicht – da müssen wir unserem Fotografen vertrauen.

Grundsätzlich gehen wir davon aus, dass die Fotografen, mit denen wir viele Jahre arbeiten und die wir sehr gut kennen, den gleichen Anspruch an Moral haben wie wir. Wir haben für STERN Fotografen einen Verhaltenskodex. Wenn dagegen verstoßen wurde, dann dürfen wir mit dem Fotografen gegebenenfalls nicht mehr arbeiten.

Die zweite Sache: bei Nachrichtenfotos können wir Vergleiche anstellen, und fragen, ob es in sich logisch ist und Sinn macht. Wir können auch vergleichen, ob wir so etwas schon mal hatten, ob es überhaupt kameratechnisch möglich ist, so ein Foto zu machen. Und manchmal kann man ein Foto auch vergleichen mit Fotos von anderen Fotografen.

Was können Printmedien, gerade wenn es um Bilder geht, besser oder schlechter leisten als Online-Medien?
Praktisch gesehen können sie das Gleiche. Faktisch ist es aber nicht das Gleiche, ob ich ein Heft als Print lese oder Online. Das liegt an der Entwicklung der online Medien, wie sie wahrgenommen und wozu sie benutzt werden.

Online-Medien sind grundsätzlich quick and dirty, schnell, hektisch. In den speziellen Formaten Nachrichtenjournalismus und Reportage ist ein online Auftritt oder ein online Produkt immer hektischer, es wird schneller aktualisiert.

Sie nutzen STERN Online anders als den Print STERN und Sie wären erstaunt, wenn Sie den STERN morgens lesen und am Nachmittag würde das Heft schon anders aussehen.

Die Printmedien sind immer eher ausgeruht und haben eine entschleunigende Funktion. Auch der STERN, das tut auch mal ganz gut.

Welche Rolle spielen ausgedruckte Fotos im Redaktionsalltag?
Wir sind ein hochdigitalisierter Berufszweig geworden. Zum Vergleich: der STERN kriegt in der Woche 100.000 Bilder, wir bekomme 15.000-17.000 Bilder am Tag. An guten Tagen haben wir 22.000 oder 23.000 Bilder und natürlich können wir die nicht alle ausdrucken, um eine Auswahl zu treffen.

Ich selbst mache meine Auswahl am Monitor, aber wenn wir eine große Farbe komponieren, wie z.B. Ägypten, oder andere große Farben, dann ist es schon so, das wir dreißig, vierzig Doppelseiten layouten, sie ausdrucken, auf den Konferenztisch legen und dieses Edit mit gedrucktem Papier machen.

Wenn es sich um kleine Stücke handelt, etwa um 3 Bilder, dann machen wir das auch am Schirm.

Aber wenn wir sechs oder acht Doppelseiten haben, dann schauen wir uns auch die ganze Strecke an, die Reihenfolge: kommt erst die Vogelperspektive, die Übersicht, die Nahaufnahme eines Menschen usw.

Die Komposition der Geschichte innerhalb der Geschichte muss dann entschieden werden. Das kann man lösen, wenn man die Bilder so hinlegt, wie der Leser sie auch blättern würde. Daran sieht man deutlich, welchen Unterschied Print macht.

Teil zwei am Montag: Chancen für Fotografen angesichts Überangebot und Absatzkrise.

Kneschkes in der Edition Profifoto erschienener Leitfaden gehört in der Zwischenzeit zu den Must-Have-Publikationen für alle, die Bilder über Stockagenturen verkaufen möchten und richtet sich an Einsteiger aber auch an jene, die schon Erfahrungen mit istock.com oder fotolia.com gemacht haben. (Buchverlosung auf der Bw3-Facebookseite)

Robert Kneschke: Stockfotografie - Edition ProfiFoto: Geld verdienen mit eigenen Fotos – mit 480 Seiten Glanzpapier ziemlich gewichtig

Wer gern fotografiert, für den ist Stockfotografie – besonders in ihrer noch jungen Form als Microstockfotografie – ein guter Weg, um aus Leidenschaft eine Einnahmequelle zu machen.

Fotos verkaufen kann jeder. Man braucht dazu nicht mehr als eine halbwegs vernünftige Kamera und einen Computer mit Internetanschluss, ein Konto bei einer oder mehrerer Bildagenturen und natürlich Bildideen plus der Fähigkeit, sie umzusetzen.

Robert Kneschke ist diesen Weg sehr erfolgreich gegangen und hat aus seinen Erfahrungen ein Buch gemacht. Kneschke teilt uns seine Erfahrungen sehr detailliert mit – die natürlich nur oberflächlich betrachtet so simpel sind. Es gehört eine ganze Menge dazu, auch ein dauerhaft erfolgreicher Stockfotograf zu sein!

Mehr als ein Hobby

Am häufigsten fallen Sätze die so ähnlich lauten wie: “Versetzen Sie sich in die Lage der Bildkäufer.” Tatsächlich liegt in dieser Aufforderung viel Grundlagenverständnis: vor allem aber inhaltliche Denke und ökonomisches Herangehen. Wer immer noch hofft, mit seinen planlos geschossenen Urlaubsbildern den Markt zu erobern, hat nicht begriffen, was hier passiert.

In der erwerbsmäßigen Form der Fotografie, in die Kneschke uns einführt, geht es nicht darum, ein Bild möglichst teuer sondern viele Bilder möglichst oft zu verkaufen. Preismodelle und Gewinnmargen bestimmen die Agenturen, der Fotograf ist Herr über Themen, Motive und Anzahl in seinem Portfolio.

Auch das ist natürlich zu einfach: Agenturen lassen nicht alles zu. Sie beschäftigen in der Regel eine gut funktionierende Qualitätskontrolle, damit ihre Kunden nicht Berge von Müll durchsuchen müssen, um ein passendes Motiv zu finden.

Robert Kneschke hat die Aspekte moderner Stockfotografie in einem sehr detailreichen, gründlich gegliederten, angemessen illustrierten und umfangreichen Handbuch zusammengetragen – das obendrein unterhaltsam zu lesen ist.

Was für die erste Ausgabe galt, gilt auch für die zweite: bewundernswert ist die schlüssige Systematik und die Disziplin mit der Kneschke sein Thema angeht. Dieses Buch verdient eine 1+ und meine unbedingte Kaufempfehlung unter der Voraussetzung, man will als Fotograf Stockfotograf sein.

Ihr habt schon einmal Bilder über Stockagenturen verkauft? Natürlich interessieren mich eure Erfahrungen. Diskutiert wird auf der Bw3-Facebookseite. Mit etwas Glück könnt ihr mein Rezensionsexemplar gewinnen.

Alltag eines Fotoproduzenten – Blog von Robert Kneschke

Robert Kneschke: Stockfotografie. Geld verdienen mit eigenen Fotos
Auflage: 2. überarbeitete Auflage 2011 (18. Februar 2011)

Im Gegensatz zu Standardpapieren, auf denen Schnelldrucke im Minilab hergestellt werden, haben professionelle, echte Fotopapiere einen sehr hohen Silberhalogenidanteil. Durch die analoge, nasschemische Ausbelichtung im Fotolabor ist eine hervorragende Farbwiedergabe und eine Archivfestigkeit von 40 Jahren im Tageslicht und 80 Jahren im Dunkeln garantiert.

Bei theprintspace verwenden wir die hochwertigsten Fotopapiere von Fuji Crystal Archive Professional für Ausbelichtungen in Galeriequalität – in glänzender und matter Ausführung.

Fuji Glanz

Fuji Glanz und Fuji Matt

Die Glanzoberfläche des Colorfotopapiers Fuji Glanz verleiht den Farben eine besonders starke Leuchtkraft und Sättigung. Fuji Glanz ist gerade aufgrund der hohen Schärfe, der brillanten Farbgebung und des bestechenden, fotografischen Effekts beliebt.

Fuji Matt ist vor allem für Beauty-, Portrait- und Fashionfotografie geeignet. Durch die leicht angeraute Oberfläche wirkt das Foto besonders natürlich, die Farbgebung ist außerdem subtiler als bei anderen Papieren. Viele Fotografen wählen daher Fuji Matt für Ihre Portfolio Mappen. Fuji Matt wird außerdem oft für Ausstellungen bevorzugt, da es nicht reflektiert und die Gefahr von Fingerabdrücken auf der Oberfläche wesentlich geringer ist.

Fuji Matt

Fuji Flex

Fuji Flex ist ein besonderes, ungewöhnliches Fotopapier, das 100% aus PET besteht und so für einen hervorragenden Oberflächenglanz und eine faszinierende Tiefenwirkung sorgt. Dieses Fuji Crystal Archive Professional Papier ist außerdem extrem stabil und reißfest.

Fuji Flex eignet sich besonders für sehr farbintensive Aufnahmen, für die eine starke Tiefenwirkung erwünscht ist. Der warme Grundton und die Hochglanzoberfläche garantieren luxuriöse, satte Farben. Dank der High-Glossy-Oberfläche wirkt die Farbwiedergabe sogar noch intensiver als zum Beispiel auf Fuji Glanz.

Kodak Metallic

Dieses außergwöhnliche Kodak Professional Endura VC Papier hat eine spezielle Filmlaminatbeschichtung, die für dreidimensional anmutende Bilder und intensiv leuchtende Farben sorgt. Kodak Metallic eignet sich besonders gut für Architektur- und Technikaufnahmen, aber auch nächtliche Stadtaufnahmen profitieren von der intensiven Leuchtkraft und Tiefenwirkung.

Ob auf hochwertigem Fine Art Papier oder echtem Fotopapier – wer seine professionell gedruckten oder ausbelichteten Bilder gerne an der Wand hätte, sollte sie entweder kaschieren oder rahmen lassen. Näheres über Kaschierungen auf unterschiedlichen Substraten und handgefertigte Rahmen gibt es demnächst an dieser Stelle.

Fuji Flex

Kodak Metallic

Ihr habt Fragen zum Thema Finishing und echten Fotopapieren? Dann gleich einmal hier das Kommentarfenster benutzen! Unter allen Kommentatoren – auch an diejenigen, die keine Fragen haben – verlosen wir noch einmal drei Mustermappen.

Die Mustermappen enthalten zehn Print-Beispiele, die die Palette vom Fine Art Druck bis zum Finishing auf echtem Fotopapier zeigen. (bis einschließlich So 06.02.)

Wer das Ergebnis der Verlosung nicht abwarten möchte, Mustermappe hier bestellen.

Mischung Fine Art Papiere – um die Wirkung dieser Papiere richtig einschätzen zu können, einfach mal die Papiermustermappe auf theprintspace.de bestellen. (Kost nicht die Welt, bringt einem aber die Welt der Fotopapiere näher)

Durch die beeindruckende Haptik echter, handgefertigter Künstlerpapiere können ganz andere, traditionellere Effekte erzielt werden als auf eher modern wirkenden, echten Fotopapieren. So ähneln Drucke auf strukturierten Papieren wie Hahnemühle German Etching je nach Motiv zum Beispiel Aquarellzeichnungen.

Photo Rag

Photo Rag ist eines der bekanntesten und beliebtesten glatten Papiere für hochwertige Fine Art Drucke. Gerade Schwarzweiß- und Farbfotos mit hoher Bildtiefe wirken besonders gut auf diesem weichen, 308 g/m² schweren Papier, das zu 100% aus Baumwolle besteht.

Die Farbgebung ist bei Photo Rag zarter und subtiler als bei den anderen Fine Art Papieren, die wir bei theprintspace anbieten. Hahnemühle Photo Rag wurde speziell für die digitale Bildausgabe entworfen. Bei der traditionellen Herstellung mit einer Langsieb-Papiermaschine wird besonders auf eine traditionelle Anmut und samtige Oberflächenstruktur geachtet.

Photo Rag

German Etching

Künstler und Fotografen, die sichtbar strukturiertes Papier für ihre Drucke bevorzugen, entscheiden sich meist für Hahnemühle German Etching. Gerade Illustrationen und Werke von Grafikdesignern kommen auf diesem hochvolumigen, 310 g/m² schweren Kupferdruckkarton besonders gut zur Geltung.

Das matte Echtbüttenpapier wird traditionell auf einer Rundsiebpapiermaschiene hergestellt. German Etching ist wegen seines hohen Volumens, der rauh strukturierten und dennoch samtweichen Oberfläche vor allem für authentische Kunstreproduktionen von Lithografien, Radierungen oder auch Holzschnitten geeignet.

Natürlich wählen auch Fotografen German Etching für anspruchsvolle Originaldrucke, gerade, wenn ein mattes, strukturiertes Papier mit einem warmen, cremigen Weißton gewünscht ist.

German Etching

Hahnemühle Pearl

Hahnemühle Pearl ist eines der robustesten, da beschichteten Fine Art Papiere. Die spezielle Premium-Inkjet-Beschichtung sorgt für einen leichten Perlglanzeffekt. Im Gegensatz zu Photo Rag oder auch German Etching ist die Farbgebung bei Pearl sehr kräftig.

Wer also gerne satte Farben, beeindrucke Kontraste und Bildtiefen hätte, liegt mit diesem ‚Allrounder‘ richtig. Hahnemühle Pearl wird, gerade aufgrund seiner Strapazierfähigkeit, auch häufig für gebundene Portfolios gewählt.

Epson Semigloss

Dieses glatte, halbmatte 260 g/m² Epson Papier besticht durch seinen fotografischen Effekt, sehr gute Detailzeichnung und eine natürliche Farbgebung. Epson Semigloss ist ein harzbeschichtetes Fine Art Papier, das, verglichen mit anderen Giclée Papieren, echtem Fotopapier am Nächsten kommt. Wer also den Effekt eines echten Fotopapiers wünscht, jedoch auf größeren Formaten drucken möchte, entscheidet sich oft für Epson Semigloss.

Echte Barytpapiere – für den Inkjet Printer

Traditionell wurde Barytpapier – ein mehrlagiges Fotopapier – vor allem für die klassische, analoge Ausbelichtung von Schwarzweißfotos verwendet. Zwischen dem eigentlichen Papiergrund und einer lichtempfindlichen Silberhalogenidschicht befindet sich eine weiße Schicht aus Bariumsulfat – daher auch der Name Barytpapier.

Da Barytpapiere wegen Ihres hervorragenden Tonwertreichtums, der edlen Haptik, und Schärfe extrem beliebt sind, ursprünglich aber nur für die traditionelle analoge Ausbelichtung zur Verfügung standen, haben Papierhersteller wie Ilford und Harman Barytpapiere entworfen, die auch für den Tintenstrahldruck geeignet sind.

Bei theprintspace bieten wir zwei echte Barytpapiere – Harman Gloss Baryta und Harman Gloss Baryta Warmtone. Beide Barytpapiere wurden von Hahnemühle mit Harman technology Ltd aus England speziell für den Tintenstrahldruck entwickelt.

Harman Gloss Baryta Warmtone ist ein 320 g/m², warmtoniges Faserpapier. Die mehrlagige Beschichtung sorgt für eine besonders glatte, glänzende Oberfläche, Lebendigkeit und eine starke Tiefenwirkung.

Harman Gloss Baryta ist ein 320 g/m² schweres glänzendes Barytpapier, das, im Vergleich zu Warmtone, hellere, klarere Weißtöne aufweist. Dieses Papier ist vor allem wegen der hohen Schärfe und einem hervorragenden Tonwertreichtum beliebt.

Harman Gloss Baryta

Alle Barytpapiere sind unbeschichtet, und daher extrem empfindlich.

Fine Art Prints werden bei theprintspace häufig aus Formatgründen bevorzugt, da bis zu einer Größe von 152 x 200 cm gedruckt werden kann. Alle Fine Art Papiere, die theprintspace anbietet, sind archivfest (40 Jahre im Tageslicht, 200 Jahre im Dunkeln). Gedruckt wird mit archivfesten Epson UltraChrome HDR Pigmenttinten mit 11 Farben.

Wer bei der Ausgabe seiner Bilddateien einen echten, fotografischen Effekt und eine exakte, natürliche Detailzeichnung bevorzugt, entscheidet sich meist nicht für Fine Art Papiere, sondern lässt seine Bilder auf Fotopapier ausbelichten. Mehr über echte Fotoabzüge gibt‘s beim nächsten Mal …

Online Fachlabor theprintspace.de

Anm.d.Red: Bei allen Fragen zum Thema Finishing und der Reihe mit Catharina Eck, auch zu Fragen über theprintspace bitte an dieser Stelle heftig die Kommentarfunktion nutzen!

Industriefotografie funktioniert heute auf sehr hohem Niveau und wird entsprechend honoriert. Es gibt nur wenige Spezialisten, aber viel Nachfrage.

Ich habe mit Edda Fahrenhorst von fotogloria | büro für fotografische zusammenarbeit aus Hamburg gesprochen. Bei fotogloria ist Industriefotografie ein wichtiger Schwerpunkt.

Fotografiert im Auftrag von ABB: Das größte Kreuzfahrtschiff der Welt »Oasis of the Seas« im Dock in Finnland © Thomas Ernsting

Marko Radloff/Bildwerk3: Was ist fotogloria? Wie lange gibt es fotogloria? Wer ist fotogloria?
Edda Fahrenhorst: fotogloria | büro für fotografische Zusammenarbeit ist angetreten, um individuelle fotografische Lösungen für Unternehmen und Magazine zu realisieren – via Repräsentanz, via Syndication und via Projektarbeit.

Online gegangen ist fotogloria mit allen Bereichen – inclusive Anbindung an Picturemaxx – Ende November 2010.

Gegründet wurde fotogloria von Edda Fahrenhorst, Mike Gamio und Jochen Raiß – wir drei bewegen uns schon seit vielen Jahren in der Foto-Branche und ergänzen uns sehr gut mit unseren Ideen, in unseren Arbeitsweisen und Zukunftsvisionen. So ist auch die Idee zu fotogloria entstanden, ein – in diesen für die Foto-Branche wackeligen Zeiten – nicht ganz einfacher Schritt.

Aber wir sind aufgrund der Erfahrungen der letzten Wochen so optimistisch, wie man nur sein kann, dass wir mit fotogloria ein Modell entwickelt haben, das uns und die uns angeschlossenen Fotografen in die Zukunft trägt.

Allgemein gefragt: Welchen Teil der Arbeit eines Fotografen übernehmen Repräsentanzen?
Nur für fotogloria gesprochen: Wir übernehmen die Akquise, den Kundenkontakt, die Kundenkommunikation und darauf folgend die gesamte Abwicklung vom Kostenvoranschlag bis zur Abrechnung.

Kurz: Wir besorgen Jobs und entsprechend Umsatz und halten so dem Fotografen den Rücken frei – damit er sich auf das Fotografieren konzentrieren kann.

Als wahrscheinlich einzige Repräsentanz für Industriefotografie – suchen Sie technisch versierte Nachwuchsfotografen? Oder anders gefragt: Würden Sie jungen Talenten empfehlen, sich in diese Richtung zu spezialisieren?
Wir sind immer auf der Suche nach Nachwuchstalenten. Wenn wir bei einem Fotografen technisches Interesse und Talent entdecken, ist auch eine eventuell fehlende Erfahrung erst einmal kein Manko – ein hohes fotografisch-technisches Niveau, wie es zum Beispiel ein Thomas Ernsting hat, muss wachsen – dabei sind wir gern Wegbegleiter.

Professionelle und anspruchsvolle Industriefotografie braucht Zeit, die absolute Beherrschung des Handwerks und ein hohes Maß an Mut und Kreativität. Genau aus dem Grund ist sie aber auch eine extrem spannende, herausfordernde allerdings auch arbeitsintensive Spezialisierung.

Das Wagnis kann sich aber lohnen, denn 1. wird eine hohe Qualität entsprechend honoriert und 2. ist die Konkurrenz nicht groß, die Nachfrage hingegen schon.

Worauf kommt es bei Industriefotografie besonders an? Gibt es Kundenwünsche, die sich nicht erfüllen lassen?
Industriefotografie sollte ehrlich sein und gut aussehen. Diese beiden Faktoren sind nicht immer und überall gut vereinbar und so heißt es für den Fotografen, einen guten Mittelweg zu finden, um diesen dann mit allen zur Verfügung stehenden Mitteln umzusetzen – mit seinem Können, mit dem gezielten Einsatz von Licht, mit einer professionellen Postproduction und so weiter …

Begrenzt werden die Kundenwünsche eventuell durch die Möglichkeiten der Technik, ein zu geringes Budget oder eine überbordende Phantasie. Aber mit einer offenen Kommunikation und alternativen Ideen sind auch diese Schwierigkeiten fast immer zu bewältigen.

Ist Kunden, die über fotogloria Fotografen für Industriefotografie buchen immer bewusst, mit welchem technischen Aufwand die Aufnahmen entstehen und dass dieser Aufwand entsprechend honoriert werden muss?
Das kommt auf die bisherige Erfahrung des Unternehmens an, die meisten wissen – und finden es selbstverständlich – dass eine hohe Qualität entsprechend honoriert wird.

Manchmal sind die Kunden allerdings schon überrascht … leider. Aber meistens können wir zum Beispiel einen hohen Tagessatz klar kommunizieren – es gehört eben auch zu unseren Aufgaben, unseren Kunden den Wert von qualitativer Fotografie zu vermitteln und zu vermitteln, dass professionelle Fotografie die Unternehmenskommunikation deutlich aufwertet.

Vom Briefing über die Auswahl des richtigen Fotografen bis zum fertigen Industriefoto, zur fertigen Fotoserie: Wie wird aus einer Kundenanfrage ein abgeschlossenes Produkt?
Wir fragen das Briefing beim Kunden so genau wie möglich ab und schauen dann, wer den Auftrag fotografisch am besten umsetzen könnte. Fotografen-Vorschläge gehen zusammen mit den KVA an den Kunden, der letztlich die Entscheidung für den Fotografen trifft. Sind Termin und Bedingungen geklärt, wird fotografiert und dann gehen die Fotos die üblichen Wege aller Unternehmenskommunikation …

Ein anderer Schwerpunkt bei fotogloria ist Autorenfotografie – als Fotoreportage für den redaktionellen aber auch werblichen Bereich. Wie sieht die Auftragslage dort im Moment aus? Lassen sich an Magazine gegenwärtig Fotogeschichten verkaufen? Entdecken Unternehmen neuerdings fotografisches Storytellung für die eigene Unternehmenspräsentation?
Wir haben die Reportage aus mehreren Gründen in das fotogloria-Portfolio aufgenommen:

1. Wir glauben, dass sie ein gutes zusätzliches Angebot für Unternehmen darstellt – für die Werksreportage, über den Geschäftsbericht bis hin zum Arbeiter- und Vorstands-Portrait. Außerdem arbeiten unsere Industriefotografen auch immer wieder und großartig mit der Reportage, so dass uns eine Verbindung folgerichtig erscheint.

2. Wir drei mögen die Reportage-Fotografie sehr und möchten mit fotogloria engagierte Themen begleiten und vermarkten.

Und 3. wollen wir uns damit langfristig im Magazin-Sektor etablieren, sind aber überhaupt nicht an der Ausschließlichkeit eines solchen Geschäftsmodells interessiert – dafür gibt es andere, die den Markt weitestgehend besetzen.

Die Auftragslage ist – wie jeder weiß – in den letzten Monaten und Jahren nicht besser geworden. Das liegt an verschiedenen Gründen, festzustellen ist allerdings, dass engagierte Fotografen, die sich die Entwicklung ihrer Fotografie, um eine Spezialisierung und um Qualität bemühen, nach wie vor gute Jobs bekommen.

Fertig erzählte Geschichten zu vermarkten ist – wie es schon immer war – sehr schwer. Dabei kommt es aber immer auf die grundsätzliche Themenwahl und das Geschick zu vermarkten an. Aus diesem Grund werden wir neben der Repräsentanz und der Syndication den Bereich Projekte etablieren. Hier geht es darum, Ideen auf ihre Machbarkeit zu prüfen, eine evtuelle Teilfinanzierung zu ermöglichen und damit letztlich Themen zu realisieren.

Vorgelegt haben wir mit dem Projekt »Einsatz«, bei dem wir – durch uns redaktionell initiiert und begleitet – gemeinsam mit fünf Fotografen, drei Textautoren und einer Infografikerin an einem großen Themenkomplex gearbeitet haben: Die deutsche Bundeswehr im Auslandseinsatz. Individuell vorfinanziert durch jeden Teilnehmer können wir nun ein tolles Ergebnis präsentieren und über unsere Datenbank vermarkten.

Vielen Dank für das Interview.

Epson Stylus Pro 9900 im Einsatz bei theprintspace

Tintenstrahldruck ist jedoch nicht gleich Tintenstrahldruck – hier gibt es große Unterschiede. Natürlich kann man den Inkjet Drucker, der Zuhause neben dem PC steht, nicht mit einem professionellen Epson Großformatdrucker vergleichen, wie man ihn im Fachlabor vorfindet. Sowohl der Drucker, als auch die Tinte und das Papier bestimmen Qualität, Aussehen und Haltbarkeit der Prints.

Da das Papier ohne direkten Kontakt zum Printer durch das Aufsprühen der Tinte bedruckt wird, zählt der Tintenstrahldruck zu den Digitaldruckverfahren. Die modernsten Epson Inkjet Printer verwenden keramische Piezo-Kristalle, die die winzigen Tintentropfen exakt steuern und aufs Papier bringen. Hierbei zieht sich ein piezoelektrisches Element durch das Anlegen einer elektrischen Spannung rund um den Tintenbehälter zusammen und verdrängt die Tinte.

Zur Herstellung hochwertiger, archivfester Fine Art Prints verwenden Fachlabore professionelle Großformat Tintenstrahldrucker, die üblicherweise im 6-Farb-Druckverfahren mit 6 Farbpatronen und 3 Schwarzstufen arbeiten. Bei theprintspace verwenden wir den Epson Stylus Pro 9900, der mit archivfesten Epson UltraChrome HDR Pigmenttinten mit 11 Farben druckt.

Zusätzlich zu den Epson UltraChrome K3 Tinten hat dieser neue Drucker die Farben Grün und Orange, erzielt also eine höhere Farbraumgröße als andere Printer und ermöglicht so hervorragende Farbverläufe und Tonwertabstufungen.

Papierauswahl und Farbraum

Der größere Farbraum (Gamut) beim Tintenstrahldruck erlaubt sattere, intensiver leuchtende Farben als bei der Ausbelichtung. Gerade für Illustrationen oder Kunstdrucke sind Inkjet Prints besonders beliebt, unter anderem, da auch auf strukturiertem Papier gedruckt werden kann.

Grafiker bevorzugen ebenfalls oft den Tintenstrahldruck, da Inkjet Printer besser dafür geeignet sind, gerade Linien zu drucken.

Ein weiterer Vorteil ist, dass die Papierauswahl für Fine Art Prints (Giclée Drucke) größer ist, als für fotografische Abzüge. Dadurch können mit demselben Motiv und derselben Druckmethode völlig unterschiedliche Effekte erzielt werden. So ähnelt zum Beispiel ein Druck auf strukturiertem Hahnemühle German Etching einem Aquarell Kunstwerk, auf Hahnemühle Pearl scheinen die Farben jedoch intensiver und die Kontraste tiefer.

Im Gegensatz zum einfachen Tintenstrahldrucker Zuhause sind archivfeste Inkjet Prints aus dem Fachlabor bis zu 200 Jahre haltbar.

Die Wahl der Finishing Methode ist einer der ersten Schritte zum fertigen Bild. Ob man sein Foto ausbelichten oder doch lieber mit Tinte drucken lassen möchte, hängt vom gewünschten Effekt und Verwendungszweck ab und ist häufig einfach Geschmackssache.

Nach der Wahl der Ausgabetechnik geht es darum, sich für das geeignete Foto- oder Fine Art Papier zu entscheiden. Doch darüber nächstes Mal mehr …

Zum Einstieg heute und morgen je ein Beitrag zu den technischen Grundlagen. Verantwortlich für die Artikelreihe ist Catharina Eck von theprintspace.

Mitarbeiter von theprintspace am Chromira LED Belichter

Inkjet Printing, Giclée Druck, LED-Ausbelichtung, Tintenstrahldruck, Lambda Printing – auf der Suche nach dem geeigneten Print- oder Druckverfahren steht man scheinbar einer riesigen Auswahl an Finishing Techniken gegenüber.

Aber eigentlich ist alles ganz unkompliziert. Die Mehrheit der professionellen Fotolabore bringt digitale Bilddateien entweder mit einem Ausbelichter oder einem Tintenstrahldrucker aufs Papier.

Ausbelichtung auf Fotopapier

Wie der Name schon verrät, wird bei der Ausbelichtung nicht gedruckt (auch wenn die Maschinen Printer, also Drucker, genannt werden), sondern belichtet. Tatsächlich ist bei der Herstellung der Bilder Licht im Spiel – z.B. Laser oder LED Strahlen. Das Ergebnis der Ausbelichtung sind (echte) fotochemische Abzüge.

Für die professionelle Ausbelichtung von Bildern verwenden Fachlabore Geräte unterschiedlicher Hersteller. Der wahrscheinlich bekannteste Printer stammt aus dem Hause Durst – der Durst Lambda, ein Belichter, mit dem Fotoabzüge durch Lasertechnik hergestellt werden. Echte Fotoabzüge laufen daher oft auch unter dem Namen ‚Lambda Print‘.

Der derzeit modernste Großformat Ausbelichter für High End Fotografie ist der Chromira LED Belichter, den wir bei theprintspace verwenden. Dieser Printer belichtet nicht mit Laser, sondern mit LED Strahlen, was eine schnellere Produktion und exaktere Ergebnisse ermöglicht.

Bei der digitalen Belichtung werden die Informationen der digitalen Bilddatei in Signale umgewandelt. Diese Signale steuern das rote, grüne und blaue Licht des LED-Printers, der so ein echtes fotografisches Bild auf silberhalogenidhaltigem Fotopapier produziert. Im nächsten Schritt, der Farbentwicklung, erscheint dann die Farbe auf dem Abzug.

Obwohl der Vorgang als ‚digital‘ bezeichnet wird, steckt im Ausbelichtungsprozess viel Handarbeit. Der einzige Unterschied zwischen den neuen, digitalen Ausbelichtungen und der Ausbelichtung analoger Bilder ist, dass das Fotopapier mit einem digitalen Belichter, anstatt mit einem Vergrößerer in der Dunkelkammer, belichtet wird.

Digitale echte Fotoabzüge werden jedoch nach wie vor in einem traditionellen, fotochemischen Vorgang auf Silberhalogenidpapier analog, also per Hand, hergestellt.

Die digitale LED-Belichtung ermöglicht sehr hohe Maximaldichten, einen hohen Weißgrad und tiefe Schwärzen. Echte fotochemische Abzüge auf Silberbasis sind bei Fotografen aber vor allem wegen ihrer exakten Detailzeichnung und hohen Schärfe beliebt.

Außerdem ist die Farbtongebung bei echten Fotoabzügen wesentlich subtiler als beim Tintenstrahldruck. Auf 2,5 Quadratzentimeter passen bei einem echten Fotoabzug über 16 Millionen Farben, bei einem Inkjet Print sind es gerade mal 256.

Morgen erscheint der Beitrag Tintenstrahldruck / Inkjet Print auf Fine Art Papier.

Lars Bauernschmitt – Gastprofessor an der Fachhochschule Hannover – fragt in seiner Stellungnahme, ob die Inhalte, die von Bürgerreportern auf der Straße fotografiert werden, überhaupt jemand sehen möchte und er empfiehlt Verlagen, Fotografie nicht nur als Kostenfaktor zu verstehen, sondern gute Fotografie wie journalistische Arbeit zu werten und auch weiterhin zu honorieren.

Gewohnt souverän schafft Karl-Theodor Freiherr von und zu Guttenberg wie immer Spitzenwerte: In der Beliebtheit schlägt er die Bundeskanzlerin, und wenn es um Nutzungsrechte an seinem Portrait geht überrundet er sogar Otto Waalkes. Während für 25,- Euro Fotos zu haben sind, die den alternden Komiker beim Schreiben von Autogrammen zeigen kostet ein einfaches Guttenberg-Foto, das Doppelte.

Nun sollte Otto aber nicht gleich verzweifeln, Fotos der Straßenbahn, die auf der Chausseestrasse in Berlin wegen Stromausfalls liegen geblieben ist können Interessierte bereits für 15,- Euro erwerben. Die Preise sind professionell ermittelt. Erfahrene Bildredakteure helfen interessierten Amateuren das maximale aus ihrem Hobby herauszuholen – einfach schnell und transparent.

Von Nutzern geliefert

Doch nicht nur die Preiskalkulation ist einfach, auch ethische Fragen werden für interessierte Lieferanten gelöst. Die Plattform „ist Ihr Partner auf der Suche nach aktuellen, nutzergenerierten Inhalten. Wir kümmern uns um die Auswahl der Fotos/Videos und klären für Sie alle ethischen und rechtlichen Fragen.“ Alles also ganz einfach. Eigentlich muss man nur den Auslöser finden und das Foto hoch laden um weltweit wahrgenommen und veröffentlicht zu werden.

Seit Fotos, digital fotografiert mit einer Kamera oder dem Handy, sich über den eigenen Rechner im Internet präsentieren lassen kann jedermann dem weltweiten visuellen Overload weitere Beiträge hinzufügen. Demokratisierung nennen das die Verantwortlichen und sehen in ihrem Angebot einen Beitrag, die Inhalte der Medien mehr an den Interessen der Leser auszurichten – kommen so doch endlich Themen auf die Agenda, die bisher dem Mainstream geopfert wurden. Und wenn man sich dann noch in einem Atemzug mit Wikileaks nennt, bekommt der Gedanke gleich etwas Revolutionäres.

Journalismus ist etwas anderes

Schon immer gab es Fotografinnen und Fotografen, die einfach zum eigenen Vergnügen Bilder machten. Seit Erfindung der Fotografie entstehen durch Amateure hervorragende Aufnahmen, die auch ihren Weg zur Veröffentlichung fanden.

Auf dem Markt illustrativer Einzelbilder tummeln sich Fotografen, die aus Spaß an der Freude Bilder machen, die denen professioneller Fotografen in Nichts nachstehen, und von Bildagenturen weltweit vertrieben werden. Technisch-handwerklich sauber gemacht dienen diese Bilder als Dekoration ohne Tiefgang und Bedeutung.

Die Fotos haben keine Botschaft und transportieren keine Haltung. Beliebig einsetzbar und genauso austauschbar. Illustration – nur eben kein Journalismus. Journalismus ist etwas anderes. Journalismus ist die Übermittlung von Fakten und das Vertreten einer Haltung. Journalismus bedeutet Wichtiges vom Unwichtigen zu trennen. Journalismus braucht Zeit – Fakten recherchieren und überprüfen dauert solange wie es dauert.

Um eine Position zu einem Geschehen zu entwickeln muss es reflektiert werden. Die Publikation relevanter Informationen darf nicht davon abhängen, ob ein Autor gerade Zeit hat oder nicht, weil er noch einem anderen Job nachgehen muss um seinen Lebensunterhalt zu verdienen.

Natürlich können auch Amateure bei aktuellen Ereignissen akzeptable fotografische Ergebnisse erreichen, die Masse schafft es aber leider nicht. Die überwiegende Zahl der Fotos der Bürgerreporter ist schlecht fotografiert und thematisch irrelevant, außer für diejenigen, die gerade in der Straßenbahn saßen, als der Strom ausfiel.

Wenn Bürgerreporter als Ergänzung oder Ersatz für professionelle Journalisten angesehen werden haben etablierte Medien durch ständige Einsparungen, die immer zu Lasten der Qualität gingen, dazu beigetragen, den Sinn für Qualität bis auf den absoluten Nullpunkt zu senken.

Will das wirklich einer sehen

Schon immer suchten lokale Publikationen die Leser-Blatt-Bindung zu festigen durch die Verbreitung von „Informationen“ die von den Lesern aus der Region geliefert wurden. Unter dem Stichwort User-Generated-Content wurde diese Idee neu verpackt – der Qualität hat es nicht gedient.

Würde die Idee der Bürgerreporter auf die Fußballbundesliga übertragen werden, liefen nach der Winterpause ambitionierte aber nicht wirklich trainierte Freizeitkicker in die Stadien ein, um den überbezahlten Stars des runden Leders einmal zu zeigen, was auf dem Feld noch möglich ist – außer dem routinierten Abarbeiten angelernter Spielzüge.

Vielleicht will das aber gar keiner sehen, und vielleicht haben deshalb bisher sowohl Uli Hoeneß als auch Felix Magath auf die Umsetzung dieser Idee verzichtet. Auch wenn das Kicken auf Straßen und Plätzen seinen Reiz für die Macher haben kann bleibt die Attraktivität für die Zuschauer gering.

Glücklicherweise besteht bei den Managern der Fußball-Vereine und den Amateurkickern ein größeres Bewusstsein für Qualität, als das bei Verlagsleitern der Fall ist die ihre Publikationen durch die Arbeit der Bürgerreporter bereichern oder den Fotoamateuren die am Wochenende von der Titelseite träumen.

Vor dem Hintergrund der Bedeutung von Bildern im Allgemeinen und Fotografie im Besonderen ist es an der Zeit, endlich ein Bewusstsein für Qualität in der Fotografie zu schaffen und Fotografie angemessen zu honorieren, statt sie nur als Kostenfaktor zu betrachten und den Preis zum Beurteilungskriterium und Werbeargument zu machen.

Ich habe mit Gründer und Geschäftsführer Daniel Holle über sein Berliner Online-Startup gesprochen und unter anderem heraus zu bekommen versucht, warum das tvype Angebot sich nicht gegen die Arbeitsweise von berufsmäßig arbeitenden Fotojournalisten richtet. Eure Meinung ist gefragt!

Proteste gegen Stuttgart-21 am 30.09.2010 – Quelle: tvype

Ich möchte ein Foto vom letzten Lokalderby bei tvype verkaufen. Was muss ich machen?
Je nachdem, um welche Art von Veranstaltung es sich handelt, kann es durchaus vorkommen, dass für eine kommerzielle Nutzung der Bilder eine Akkreditierung bei den jeweiligen Veranstaltern vorhanden sein muss.

Falls eine Fotoerlaubnis vorliegt, oder wie bei vielen kleinen lokalen Ereignissen nicht notwendig ist, können die Fotos auf www.tvype.com oder über unsere iPhone App hochgeladen werden. Nach Prüfung der Aufnahmen werden die Bilder „Watermark“-geschützt den Redaktionen zum Kauf angeboten.

Welche Preise sind für solche Fotos mittelfristig realistisch?
Hier ist vor allem der Inhalt des Bildes entscheidend. Ein Lokalsport-Foto erzielt nach unseren Erfahrungen Preise zwischen 30,00 bis 100,00 €. Beinhaltet das Bild eine kuriose Situation oder ist einfach nur ein guter Schnappschuss, sind natürlich auch höhere Preise möglich.

Stichwort Exklusivität: Kann ich ein Foto bei tvype lediglich mehrmals oder auch exklusiv verkaufen? Kann eine Redaktion Exklusivrechte für ein Foto erwerben?
Redaktionen können gegen einen Preisaufschlag Exklusivrechte für einen Tag bis hin zu einem Monat erwerben. Diesen Aufschlag nennen wir Exklusivitätsbonus.

Wenn eine Redaktion davon Gebrauch macht, ist die Exklusivität natürlich auch für den festgelegten Zeitraum von Seiten des Verkäufers bindend. In allen anderen Fällen können Bürgerreporter ihre Fotos jedoch auch mehrmals verkaufen.

Vom Handy in die Zeitung oder aus der Redaktion zum Bürgerauftrag: Auf welche Technologien setzt tvype?
Wir haben früh damit begonnen eine eigene iPhone App zu entwickeln. Kurz nach dem Start von tvype.com war diese erhältlich. Damit können Bilder in wenigen Minuten von der Straße über die tvype Moderation in die Redaktionen gelangen.

Für Nutzer mit größeren Bildmengen oder mit professionellem Anspruch stellen wir auch einen FTP-Upload zur Verfügung. Der Großteil des Bildmaterials kommt aber immer noch über das Uploadformular auf tvype.com.

Redaktionen bieten wir die Möglichkeit, Bildmaterial zu bestimmten Veranstaltungen mit Hilfe des Veranstaltungskalenders auf tvype.com anzufordern. Dort können Sie gezielt Termine setzen und die Bürgerreporter somit auf Ereignisse aufmerksam machen. Der Nutzer weiß somit, dass Interesse an Material besteht und seine Chancen für einen Bildverkauf gut stehen.

Wer macht was bei tvype? Mit welchen Abteilungen ist tvype gestartet?
Mit folgenden Abteilungen: Geschäftsführung, Business Development, Marketing/PR, Redaktion/Moderation, Technik.

Welche Funktion hat die Moderation?
Unser Redakteur prüft das eingehende Material auf Einhaltung rechtlicher (Urheberrecht, allgemeine Persönlichkeitsrechte, Einhaltung der Privat- und Intimsphäre der Fotografierten) und ethischer Aspekte, die unseren Richtlinien entsprechen. Hinweis: Richtlinien bei tvype

Bei fehlerhaften Angaben hilft unser Redakteur bei Korrekturen, berät die Uploader bezüglich der Preisbestimmung und gibt Tipps für bessere Bildaufnahmen.
Die Moderation übernimmt also die Veröffentlichung oder Ablehnung von Bildmaterial. Veröffentlichtes Bildmaterial kann von der Moderation direkt in die Redaktionen übertragen werden.

An welcher Stelle verdient tvype?
Werden tvype die Aufnahmen exklusiv angeboten, erhält der Uploader bei erfolgreicher Vermittlung 70 % der Verkaufserlöse. Bei nichtexklusiver Vermittlung sind es immer noch 50%.

tvype wird gefördert vom Bundeswirtschaftsministerium und vom Europäischen Sozialfond. Wie viel öffentliche Hand steckt in tvype?
Die genannten Institutionen konnten von der Idee und dem neuartigen Geschäftsmodell von tvype überzeugt werden. tvype wird im ersten Jahr von diesen Institutionen durch ein Gründerstipendium unterstützt.

Es gibt jedoch keinen Einfluss von öffentlichen Einrichtungen auf die Entscheidungen von tvype.

Obwohl tvype ein Onlinemedium ist, welchen Standortvorteil bringt Berlin?
Berlin ist eine Hochburg an kreativen und innovativen Start Ups im Online Business. Gedankenaustausch zwischen den Unternehmen verschiedenster Branchen wirkt inspirierend und bringt auch tvype auf neue Ideen.

Nicht zu vergessen ist auch die Menge an potentiellen Fotografen und Videomachern in der Hauptstadt. Hier tobt das Leben und bietet jederzeit einen Schnappschuss.

Was passiert inhaltlich: Will tvype den medialen Mainstream durch einen Jedermann-Mainstream ersetzen? Haben Sie nicht die Furcht vor der Entfesselung von Paparazzi-Mentalität?
Wir sehen uns nicht als Konkurrent zu großen etablierten Agenturen. tvype ist ein zusätzliches Angebot für die Medien, den Bürgerjournalismus in die tägliche Berichterstattung einfließen zu lassen.

Zu der Paparazzi Frage: unsere Ethikliste ist für jedermann transparent. Diese lässt keine Aufnahmen zu, die nicht unseren ethischen Grundsätzen entsprechen.

Schon heute haben fotojournalistisch arbeitende Fotografen einen harten Job. Entkräften Sie den Vorwurf, tvype würde die Situation für fotojournalistisch arbeitende Fotografen lediglich verschlimmern.
Wir können nie die Arbeit eines professionellen Fotografen ersetzen und wollen dies auch gar nicht. Wir sehen uns vielmehr als eine ergänzende Bildquelle für Redaktionen.

Fotografen und Kamerateams können – im Gegensatz zu Bürgerreportern – nicht überall sein. Durch den Bürgerreporter werden Bilder öffentlich, die es wert sind, gezeigt zu werden. Bevor Fotografen oder Kamerateams vor Ort sind, hat der Bürgerreporter im Idealfall seine Aufnahmen schon an tvype gesendet. Gerade der lokale Journalismus kann davon profitieren.

Wer haftet bei Verletzungen von Persönlichkeitsrechten durch Bilder die über tvype verkauft wurden?
Jeder, der Bildmaterial bei tvype veröffentlicht, ist persönlich dafür verantwortlich, die gesetzlichen Regelungen einzuhalten. Um Fehler aus Unwissenheit zu vermeiden, wird auf tvype.com ausführlich erklärt, was bei Aufnahmen zu beachten ist.

Bevor die Bilder veröffentlicht werden, überprüft die erfahrene Bildredaktion sie auf rechtliche und ethische Gesichtspunkte.

tvype geht davon aus, das in Zukunft vieles von allein funktioniert – Stichwort User-Generated-Photography und durch Redaktionen erzeugte Nachfrage. Haben Sie einen Plan für den Fall, dass diese Annahme zu optimistisch ist?
Als Start up sind wir jetzt sechs Monate am Markt. Wir haben in dieser Zeit schon viel erreicht und noch viel mehr gelernt, aber natürlich halten wir die Augen und Ohren nach neuen Erlösquellen offen.

Wir haben den Markt im Blick. Wir sind von User Generated Content überzeugt, dass sich unsere Plattform als individuelle Leserreporter Lösung durchsetzen wird, und arbeiten an weiteren Produkten, um diese Entwicklung sowohl in Redaktionen als auch Unternehmen schneller und einfacher einzubringen.

Nach dem 2:0 durch Sejad Salihovic in der letzten Minute der Nachspielzeit wurde das Spiel nicht mehr angepfiffen. Die Hoffenheimer Bank jubelt während der stark blutende Benedikt Höwedes die 3. Schalker Niederlage in Folge hinnehmen muss. Quelle: tvype/Uwe Gruen

Verbotene-Liebe-Team beim ARD-Beachvolleyball-Cup 2010 (28.08.2010) Quelle: tvype/Thomas W. Salzmann/photog.de

Ernster Einband, ernst zu nehmender Inhalt: Dr. Martina Mettners Erfolg als Fotograf – Wie man sein Können optimal präsentiert

Oft wird davon gesprochen, wie schwierig oder gar wie unmöglich es geworden sei, Fotograf zu werden, wie Fotografen heutzutage gleich von zwei Seiten unter Druck geraten: von ihren Auftraggebern, die immer bessere Konditionen verlangen und von vermeintlichen oder tatsächlichen Kollegen, die mit Dumpingangeboten den Markt verderben.

Mettner argumentiert, in dieser Anschauung stecke eine unzeitgemäße Sichtweise: Wer so denkt, habe den Übergang vom Generalisten- zum Expertentum, der sich in den letzten zwei Jahrzehnten unbedingt vollzogen hat, einfach noch nicht verdaut und vergibt seine wirklichen Chancen.

Eine Aufforderung beherrscht darum dieses Buch vom Anfang bis zum Schluss: Sei ein Experte, finde deine persönliche Haltung, suche nach deinem Profil, finde die klare Linie, mit der du potentiellen Kunden signalisierst, dass du und nur du der richtige bist für genau diesen Job! Oder anders und als Maxime formuliert: Keine Klarheit, keine Kunden!

Mettner kennt die üblichen Vorstellungen ihrer Klientel vom Fotografenberuf: vom Flaneur mit der Kamera – Produktionen werden heute von Termin- und Kostendruck bestimmt und an Experten für bestimmte Themen vergeben und nicht mehr an Fotografen, die alles fotografieren – vom kreativen Modefotografen – für Mode ist der Fotograf in erster Linie gut bezahlter Dienstleister, was auf die Bilder kommt, bestimmen andere.

Manchem wird der Spiegel vorhalten, etwa wenn es heißt: “Wenn man nicht in der Lage ist, seine Leistungen kritisch einzuschätzen, sondern immer nur begeistert ist von dem Ei, das man gerade wieder gelegt hat, wird man Legehenne, aber keine goldene Gans.”

Und noch so ein typisch Mettnersches Beispiel: “Wenn das 2.000 Euro teure Model im Studio oder am Set ist, bleibt keine Zeit mehr für technische Grundlagenforschung.”

Es ist die mit Bildern reich versehene Sprache der Autorin, ihre zahlreichen Anspieglungen aus dem Beziehungsbereich Kunde Fotograf und ihre gelegentlich ziemlich forsche Ansprache, die die Lektüre zu einem regelrechten Lesevergnügen macht.

Überflüssig zu erwähnen, das es in diesem Buch natürlich um das Selbstmarketing für Fotografen geht, um die Voraussetzungen für eine gute Mappe, um die Honorarfrage, um Kundepflege, Kundenansprache und Kundengewinnung, um die Inhalte einer brauchbaren Fotografen-Homepage, schlicht um alles, was nötig ist, sich als Fotograf ins Gespräch zu bringen.

Darüber hinaus kennt Mettner die Branche und weiß, wie wichtig es für Fotografen heutzutage ist, sich zwischen Editorial, Werbung und Kunst fotografisch zu positionieren und die eigenen Schwerpunkte klug und plausibel zu setzen.

Spätestens mit diesem zweiten Buch ist Mettner in ihrem Element und befolgt dabei ihre eigenen Prämissen: tue was du am besten kannst, tue es gewissenhaft und rede darüber. Mettner berät diejenigen, denen es ernst ist. Fotograf ist, sofern man es richtig anstellt, ein Beruf mit Zukunft.

Unter allen Kommentatoren zu diesem Beitrag verlose ich – schweren Herzens – mein Rezensionsexemplar! Schreibt eure Meinung zum Thema Fotografie als Beruf! Wer bis Sonntag den 14.11.2010 hier oder auf Facebook/Bildwerk3 einen Kommentar abgibt nimmt automatisch an der Verlosung teil und erhält die Chance das – nicht ganz preiswerte – Buch zu gewinnen. Der Rechtsweg ist wie immer ausgeschlossen.

Wer die Verlosung hier bei Bildwerk3 nicht abwarten möchte – gleich hier zur Bestellung:

Erfolg als Fotograf: Wie man sein Können optimal präsentiert (Affiliate-Link)

oder direkt auf der Seite der Autorin.

Hicker hat sich neben seinen Arbeiten für diverse internationale Magazine und als Naturfilmer – vor allem einen Namen mit Bildern von extremen Landschaften, wilden Tieren und faszinierenden Naturschauspielen gemacht. (www.hicker.de)

Der folgende Text ist ein Auszug aus einem Interview mit Rolf Hicker. Lieben Dank an Sven Giese von Weltneugier das wir den für Bildwerk3-Leser interessantesten Teil des Interviews hier veröffentlichen dürfen.

…

Seit einiger Zeit hört und liest man von vielen Fotografen, dass gerade im Agentur- und Print-Bereich immer weniger Geld für die Bilder bezahlt wird. Wie schätzen Sie diese Entwicklung ein?

Ich habe inzwischen meine Bilder aus den meisten Agenturen heraus genommen. In Deutschland habe ich nun nur noch Mauritius. Wenn Agenturen anfangen Bilder für 1$ zu verkaufen, dann ist das schon heftig. Ich möchte zu der ethischen Seite der Agenturen gar nichts sagen – da geht es nur um Kohle, egal wie, egal wo (zumindest bei den meisten). Aber von 1$ kann ich meine Familie nicht ernähren und somit erlaube ich es nicht mehr, dass meine Bilder zu solch unrealistischen Preise verkauft werden. Wenn das alle Fotografen kapieren würden, dann gäbe es nur noch wenige Agenturen und wir würden unsere Bilder selber verkaufen. Heute braucht man den Mittelmann nicht mehr.

Aber die Entwicklung ist dramatisch – die Preise verfallen, da viele Hobbyfotografen ihre Bilder umsonst an Magazine geben. Diese nehmen dies natürlich gerne an. Wie sollen wir damit konkurrieren? Ich sehe dies ja auf meinen Fototouren: Es gibt viele Leute, vor allem heute die Babyboomer, die mehr als genügend Geld verdient haben und sich Equipment leisten können, von dem wir nur träumen können. Die meisten wissen am Anfang der Tour nicht einmal, wo sie die Kamera anschalten müssen, am Ende der Tour haben sie aber Bilder, die dann wiederum auf den Markt kommen und oft eben kostenlos angeboten werden. Ich kann hier nicht einmal jemand einen Vorwurf machen, aber für uns ist es unmöglich damit zu konkurrieren. Die Masse der Bilder, die heute existiert, ist das Hauptproblem.

Ja, die digitale Fotografie hat da einen großen Vorteil. Heute kann man vor Ort die Bilder checken – früher kam man heim und konnte eventuell viele Rollen Film wegschmeißen, weil man irgendetwas verbockt hat – in kurz: Heute kann jeder gute Bilder machen OHNE Wissen über Fotografie. Und diese “Fotografen” geben dann ihre Bilder für 1$ weg. Das bringt den Leuten zwar auch nicht viel, aber es ist trotzdem ein Bild weniger, das ein Profi verkaufen kann. Was vielen nicht klar wird ist, dass ein Profi-Fotograf davon leben muss. Die Romantik des Reisefotografen ist schon lange weg, unsere Produktionen sind heute bis auf die letzte Sekunde getimed. Nur so ist es überhaupt noch machbar.

Insofern wird das finanzielle Überleben in Zukunft wohl eher schwieriger werden. Wir verkaufen zwar noch sehr viele Bilder, aber bekommen halt nur noch 1/4 des Preises dafür. Somit muss ich viel mehr verkaufen und irgendwann ist es zeitlich gar nicht mehr zu bewältigen. Ich bin zwar als Workaholic bekannt, aber wie lange ich noch jeden Tag 16 Stunden arbeiten kann, lasse ich mal dahingestellt. Es ist wie mit den Diashows: Am Anfang haben es 5 Fotografen gemacht, am Ende waren über 300 Anbieter auf dem Markt (oder sogar noch mehr). Wir werden uns etwas einfallen lassen müssen, um auch weiterhin genügend zu verdienen und ich wenigstens meine Familie ernähren kann.

Sie selbst scheinen dem entgegenzuwirken, indem Sie – neben der eigenen Galerie – Ihr Portfolio auf diversen eigenen – und sehr gut besuchten – Websites selbst vermarkten bzw. lizenzieren. Ist das der zukünftige Weg für den Berufsfotografen?
Ja und nein. Der Aufwand ist sehr groß bis man eine gute besuchte Webseite hat. Auch hier ist der Vergleich mit den Diashows angebracht. Echte Profis bieten auch professionellen Service, aber heute hat fast jeder eine Webseite und unsere Kunden haben es satt, keine Antworten auf E-Mails zu bekommen usw. Je mehr Leute ihre Bilder im Internet anbieten, umso weiter geht die Qualität nach unten (Kundenservice). Viele Hobbyfotografen wissen nicht, welche Preise sie verlangen müssen oder sollten, was ein Käufer erwartet usw. Dies ist nur ein Grund, warum Bildkäufer ungern direkt kaufen, obwohl sie dort viel Geld sparen könnten. Leider hilft diese Unprofessionalität nur wieder den Agenturen.

Gibt es weitere Pläne für den Online-Bereich? Was ist z. B. mit sozialen Netzwerken wie Facebook. Dafür sprechen scheinbar unbegrenzte Promotion-Möglichkeiten und eine riesige Reichweite. Wie denken Sie darüber?
Unbegrenzte Möglichkeiten für Promotion? Na ja, ganz so einfach ist es auch nicht. Ich habe eine erfolgreiche Facebook-Page mit über 2100 Fans. Klar könnte ich daraus 10000 machen, wenn ich mehr Zeit investieren würde. Nur meist sind dies auch nicht unbedingt Menschen, die Geld für Bilder ausgeben. Klar, kann man auch dort gute Kunden finden, aber ich mache dies lieber über meine eigenen Webseiten. Ich habe Freunde, die Profifotografen sind und heute nicht mehr zum Fotografieren kommen, da sie mit den Social Networks so beschäftigt sind, dass sie keine Zeit mehr für irgendetwas anderes haben.

Es ist dasselbe Spiel: Je mehr Marketing du betreibst, umso mehr sehen deine Bilder. Aber wo ist der Cutoff- Point? Ab wann ist es nicht mehr rentabel, rund um die Uhr am Computer zu sitzen, um noch mehr Friends und Fans zu bekommen?

Im Grunde genommen füllen wir den Content der großen Plattformen. Somit werden diese noch größer, aber uns wird dies langfristig nicht sehr viel bringen. Ich versuche lieber den Traffic direkt auf meine Webseiten zu bekommen.

Wie werden sich die Fotografie im Allgemeinen und der Beruf des Fotografen vor dem oben skizzierten Hintergrund in den nächsten Jahren weiterentwickeln?
Keine Ahnung. Wahrscheinlich wird es so gehen wie in vielen Gebieten. Erst sind wenige Anbieter, dann auf einmal ganz viele – die meisten werden auf der Strecke bleibe und wenige überleben. Es wird immer weniger und weniger Profis geben, die Fotografie hauptberuflich betreiben können. Ich rede hier nicht über Studios, sondern über unseren Bereich Natur-Tier-Reisefotografie. Irgendwann werden es dann auch die Magazine wieder einsehen, dass wir für 20€ keine guten Bilder produzieren können.

…

Das gesamte Interview lesen: Interview mit dem Tier- und Naturfotografen Rolf Hicker

Bildjournalist Marcus Brandt - im Einsatz für die dpa bei der Fußball WM 2010 in Südafrika

Schauplatz Südafrika, FIFA Fußball-Weltmeisterschaft 2010: Szenen jedes Spiels werden von mehr als 300 Fotografen aufgenommen, dreihundert Fotografen, die am Spielfeldrand oder auf der Tribüne ihre Positionen beziehen und konzentriert dem Spielverlauf folgen und das Geschehen in Bildern festhalten.

Die ersten Bilder sind in weniger als fünf Minuten verfügbar und werden weltweit nachgefragt. Dahinter steckt eine fotologistische Herausforderung: von der Aufnahme über die korrekte Beschriftung des einzelnen Bildes hinüber in die Systeme des einen oder anderen Bildredakteurs.

Die meiste Arbeit fällt bei den Fotografen an. Marcus Brandt ist einer von ihnen. Er ist für die Deutsche Presseagentur (DPA) bei jedem Spiel in Südafrika dabei und er begleitet auch die deutsche Mannschaft während dieser Zeit. Auch wenn Deutschland das Finale am 12.07.2010 in Johannesburg nicht erreicht bleibt Brandt bis zum letzten Spiel. Der Rückflug ist gebucht – für den Tag danach.

Neuer rettet das eigentlich nicht mehr zu Rettende: in diesem Moment würde es gegen England 1:1 stehen ... © Marcus Brandt, dpa

Für seinen Einsatz am Spielfeldrand ist Brandt vier Stunden vor Spielbeginn im Stadion. Die Plätze für die Fotografen sind reserviert und für alle wichtigen Spiele schickt die DPA mehr als einen Fotografen in die Arena.

Vier Kameras und jede Menge Zubehör

„Die vier Stunden brauche ich, um mich in Ruhe auf das Event vorzubereiten“, sagt Brandt, um hinzuzufügen, dass er mit dreißig Kilogramm(!) Equipment in die Arena kommt. Das ist die technische Ausrüstung, die jeder Fotograf heute benötigt um von so einem Ereignis die Bilder zu liefern. „Das habe ich in einem Rollkoffer verstaut und muss es so im Grunde nicht die ganze Zeit tragen …“

Vier Kameras, Objektive, darunter ein fünfhundert Millimeter Teleobjektiv, das Notebook, Ersatzakkus, Speicherkarten, Akkuladegeräte, Drähte und noch das eine oder andere nützliche Zubehör machen das Gepäck eines Sportfotografen – in diesem Fall das von Marcus Brandt – aus.

In der Vorbereitungsphase baut Brandt seine Kameras zusammen – das fünfhundert Millimeter ist für diesen Einsatz mit langen Distanzen, schnellen Richtungswechseln und vor allem seinen neunzig Minuten Dauer nicht ohne ein passendes Einbeinstativ denkbar – schließt den Strom an und verbindet sein Notebook mit dem Internet. Für jeden Fotografen liegen am Platz zwei Kabel: eine Netzverbindung und Strom.

Während eines Spiels macht Brandt bis zu 1.500 Aufnahmen. Im ersten Moment eine scheinbar unüberblickbare Menge Bildmaterial. Aber erstens gibt es zahlreiche Kniffe, eine solche Menge auch zu bewältigen und andererseits: stellt man sich die Geschwindigkeit vor, mit der das Spiel abläuft, der kurze Augenblick, indem aus Kameraposition und Spielkonstellation eine gelungene Aufnahme werden kann, wird man die reine Menge verstehen.

Jede Kamera-Objektiv-Kombination entspricht einer Aufnahmesituation: direkt im Spiel auf große und mittelgroße Entfernungen dann für Aufnahmen im näher gelegenen Torraum dann die Stadionatmosphäre insgesamt und der Moment wenn ein Tor fällt.

Für Aufnahmen aus dem Spielfeldinneren nutzt Brandt das schon erwähnte fünfhundert Millimeter Teleobjektiv – eine lichtstarke Festbrennweite, die bei ausreichendem Licht kurze Verschlusszeiten möglich macht und damit Bewegungsabläufe in möglichst unverwischten Bildern festhält – der kurze Tiefenschärfebereich sorgt für einen unscharfen Hintergrund.

Zwei Aufnahmen ein Auslöser

Für Aufnahmen aus dem Torraum, dem Brandt näher ist, wird eine Kamera mit einem 70-200 Telezoom eingesetzt. Hier fällt neben der Entscheidung für den richtigen Moment auch noch die Entscheidung für den passenden Ausschnitt.

Diese Kamera ist mit der Hintertorkamera synchronisiert, die in dem Moment automatisch auslöst, sobald Brandt mit der 70-200 Telezoom-Kamera ein Bild macht. Im Torraum macht Brandt also jedes Mal zwei Aufnahmen: eine vom Spielfeldrand und eine Aufnahme direkt aus der Hintertorperspektive; dort allerdings ohne die Möglichkeit zu haben, im Moment des Auslösens irgendwelche Einstellungen vornehmen zu können.

Die Hintertorkamera wird vor dem Spiel an ihrem vorgesehenen Platz positioniert und auf Empfang gestellt. Für alle akkreditierten Fotografen ist ein Kameraplatz hinter dem Tor reserviert.

Um die Stadionatmosphäre einzufangen benutzt Brandt noch eine Kamera mit einem Weitwinkelobjektiv.

Frisch auf den Tisch der Bildredakteure

Sobald das Spiel angepfiffen ist, ist der Wettlauf um die besten Bilder eröffnet. Der Anpfiff ist auch das Signal an die Bildredakteure weltweit, ihre Kanäle auf Empfang zu stellen und für die Zeitungsausgabe des nächsten Tages oder die Onlineausgabe die ersten guten Bilder abzugreifen und in die Redaktionssysteme einzupflegen.

„Sobald ein paar Minuten gelaufen sind, schicke ich die ersten Bilder nach Johannesburg.“ Dafür zieht Brandt den Speicherchip an seiner Kamera und steckt ihn in das Notebook. Die Software erkennt das vorhandene Material – Brandt hat die Bilder bereits mit Hilfe einer Kamerafunktion markiert, getaggt und damit eine Vorauswahl der wichtigsten Bilder getroffen.

Mit einem einzigen Klick leert die Software die Speicherkarte, fügt die Bilder auf dem Notebook in die bereitstehende Datenbank ein und verschickt die besten, die von Brandt markierten Bilder an einen der Editoren, die für die DPA-Fotografen und solange die WM dauert in Johannesburg arbeiten, die dann das ankommende Material noch einmal sichten und vor allem betexten.

Die Bildinformation wird durch den Editor zusammengetragen: um welches Spiel es sich handelt, welche Spieler auf dem Foto zu sehen sind und bei welchem Verein sie sonst kicken, wie der Schiedsrichter heißt, der das Spiel pfeift, in welcher Spielminute die Aufnahme entstanden ist.

Das ganze wird in einen schlüssigen Text gepackt und auch dieser Vorgang dauert nur wenige Augenblicke, darf nur wenige Augenblicke dauern und bereits drei Minuten nach Spielbeginn sind die Bilder vom Spiel bei der DPA zu bekommen.

Noch schnellere Bilder?

Ist die Geschwindigkeit noch zu steigern? „Aber ja“, erläutert Brandt, „auch wenn die Bilder schon heute quasi sofort verfügbar sind, lässt sich die Geschwindigkeit noch erhöhen – das folgt ganz einfach aus der Permanenz mit der technische Neuerungen hinzukommen. Und wir müssen da hinterher sein, müssen uns als Fotografen auch entwickeln … ” Es ist ein bisschen wie bei einem Wettrüsten: wer heute noch auf Film fotografieren würde und seien es die brauchbarsten Bilder – der hätte den Kampf längst verloren.

All dies passiert während des Spiels mehrere Male. Die bildhungrigen Kanäle werden permanent mit ausreichend Futter versorgt. Die Bilder aus der Hintertorkamera holt Brandt in der Spielzeitpause, wählt sie aus und versendet sie in gleicher Weise.

Das perfekte WM-Foto? „Die alles entscheidende Spielszene ablichten oder den Jubel in einem absolut überzeugenden Moment einfangen“, sagt Marcus Brand, „und dann als einziger Fotograf mit diesem Bild rauskommen …“

Professor Nobel ist Initiator und Leiter des Festivals und als Professor für den Studiengang Fotografie an der FH in Hannover einer der maßgeblichen Stimmen in der fotojournalistischen Ausbildung in Deutschland. Ich habe ihn nach den Dingen gefragt, die bei der zweiten Ausgabe des Festivals anders und besser laufen sollen aber auch nach den Perspektiven junger Fotojournalisten in Zeiten des medialen Wandels …

Bildwerk3/Marko Radloff: In diesem Jahr findet das Lumix Festival nach 2008 zum zweiten Mal statt. Was haben Sie in diesem Jahr besser gemacht?
Professor Rolf Nobel: Wir werden zum Beispiel die Fotografenvorträge simultan übersetzen lassen. Also von Englisch in Deutsch und umgekehrt. Das machen wir über einen kleinen stationären UKW-Sender. Wer ein kleines Radio mitbringt, kann dann die Stimme des Dolmetschers im Kopfhörer empfangen. Wir verkaufen auch kleine Radios für 3 Euro das Stück, die man dann für alle Übersetzungen während des Festivals nutzen kann.

Wir haben nach Hinweisen diesmal auch ein viel besseres Leitsystem auf dem Expo-Gelände installiert. Man wird sich also gut zurechtfinden können. Und wir haben in diesem Jahr einen Katalog vom Ausstellungsprogramm herausgegeben, der mit etwa 300 Seiten Umfang für unter 20 Euro zu bekommen ist.

Weiterhin haben wir die sogenannten »Begegnungen« eingeführt. Die Fotografen zahlreicher Ausstellungs-Reportagen finden sich zu einer angekündigten Zeit vor ihrer Ausstellung ein und Interessierte können dann mit dem Fotografen ins Gespräch kommen. Und wir haben einige Gesprächsrunden mit jeweils mehreren Fotografen der Ausstellungsarbeiten vorbereitet. Da kann man dann z.B. von mehreren Fotografen, die in Kriegs- oder Krisengebieten gearbeitet haben, alles Wissenswerte darüber erfahren. Weitere Themen dieser Runden werden u.a. Multimedia, Alltagsthemen und das dänische Erfolgsmodell im Fotojournalismus sein. Insgesamt wollen wir diesmal noch intensiver den Austausch und die Begegnung fördern.

Während des Lumix Festivals ist auch Fussball-Weltmeisterschaft. Haben Sie sich das gut überlegt oder hatten Sie keine Wahl, den Termin so zu legen?
Wir haben mit dem Expo-Gelände und seinen tollen Pavillons ein hervorragendes Gelände für dieses Festival. Der Nachteil ist, dass wir Rücksicht auf Messen, Semesterferien und Prüfungstermine an der FH nehmen müssen. Dadurch ist der Termin vorgegeben und wir kollidieren immer mit der Fußball-EM oder WM.

Aber die große Zahl der angemeldeten Fotografen zeigt uns, dass die offenbar Prioritäten setzen. Außerdem kollidiert es nur mit einigen Vorrundenspielen und nebenan in der Berufsschule und bei uns im Atrium werden die Spiele auf Bildschirmen und mit dem Beamer übertragen. Wo und wann wird angekündigt. Die Abendspiele beginnen erst um 20:30 Uhr und es wird daher mit dem letzten Fotografenvortrag keine große Zeitüberschneidung geben.

Das Festival wird von drei Säulen getragen: Hochschule, Industrie und Fotografen Verband. Nach Ihrer Erfahrung eine konfliktfreie Dreiecksbeziehung und ein empfehlenswertes Modell?
Die Kombination klappt großartig. Jeder Beteiligte hat seinen Aufgaben- und Verantwortungsbereich. Konflikte hat es noch nie gegeben.

Man muss allerdings auch ganz klar sagen, dass ohne das starke Engagement von Panasonic ein solches Festival nicht durchführbar wäre. So viel finanzielle Unterstützung bekämen wir mit lokalen Sponsoren allein niemals zusammen. Und einen solchen fantastischen Partner wie Panasonic muss man erst einmal finden in einer Zeit, in der sich Fotogeräte-Hersteller mehr und mehr aus dem Sponsoring zurückziehen.

Welches ist aus Ihrer Sicht das Highlight, das kein Festivalbesucher verpassen darf?
Das ist nicht einfach zu beantworten, denn das Programm ist tatsächlich auf sehr hohem Niveau. Der Samstag ist sicherlich mit dem Vortrag von Ed Kashi etwas Besonderes, weil er zu den Multimedia-Pionieren gehört. Außerdem ist er ein sehr guter Erzähler. Antony Suau spricht am Abend und ist für mich auch ein Highlight. Abgerundet wird der Tag dann noch mit der Preisverleihung und Party.

Als ich gestern das aktuelle Heft des SPIEGEL in der Hand hielt, war ich erstaunt, wie dünn das Heft in der Zwischenzeit ist. Welche Perspektiven haben junge Fotojournalisten heute?
Zeitschriften wie SPIEGEL, stern und Focus leiden sicherlich unter dem Anzeigenverlust. Werden die weniger, nimmt automatisch der redaktionelle Teil im Blatt auch ab und damit die Aufträge für Fotografen.

Ich rate deshalb heute jedem Studenten, bei Zeiten damit zu beginnen, seine Arbeit auf mehrere Säulen zu bauen. Dazu gehören neben dem klassischen Fotojournalismus für Zeitungen und Magazine auch Multimedia-Produktionen und die Unternehmensfotografie.

Zum ersten Mal ist die Hannoversche Allgemeine Zeitung als einer der Preisgeber des Festivals dabei. Ist qualitätsvoller Fotojournalismus nicht nur in nationalem sondern auch im regionalem Kontext denkbar und vor allem bezahlbar?
Qualität ist nicht nur eine Frage von Geld, sondern auch von Ambitionen und Visionen. Viele Zeitungen haben noch nicht begriffen, dass eine bessere Qualität in der Fotografie langfristig auch neue Leser findet und alte bindet. Aber es gibt auch im regionalen Kontext gute Ansätze und Beispiele.

Was sie Hannoversche Allgemeine Zeitung gerade im Vorfeld des Festivals macht – ihren Praktikanten mit jeweils einer Reportage eine ganze Seite einzuräumen – könnte ein Anfang für einen anderen Umgang mit Fotografie sein. Oder beim Weser Kurier die Seite »Lust am Lesen«. Die bringen dort jede Woche eine Reportage auf einer ganzen Seite und die noch dazu sehr schön layoutet. Das ist meiner Meinung nach preisverdächtig und beispielhaft für den Umgang mit Fotografie.

Beim Betrachten der Ausstellungsankündigungen – es werden während des Festivals sechzig Arbeiten junger Fotojournalisten zu sehen sein – gewinnt man den Eindruck, das das Fremde immer noch den größten Anreiz bietet in Bildern zu erzählen. Entspricht das auch Ihren Erfahrungen und besteht nicht die Gefahr das Nahe und Greifbare zu vernachlässigen?
Natürlich besteht die Gefahr, dass man als Fotograf ins exotische Themenfeld abdriftet, weil das Fremde und Andersartige natürlich immer Neugierde erweckt. Außerdem bietet es vordergründig eine faszinierende Optik.

Aber gerade beim 2. Lumix Festival trifft das nicht zu. In etwa der Hälfte aller Geschichten beschäftigen sich die Fotografen mit dem Land, in dem sie leben. Das mag uns dann vielleicht das eine oder andere Mal exotisch erscheinen, da unsere Teilnehmer aus sehr vielen verschiedenen Ländern stammen. Wenn ein indischer Fotograf sich mit einem Thema aus seinem Land beschäftigt, ist es für uns natürlich exotisch, für ihn ist es die Auseinandersetzung mit einem Teil seines Alltags.

Ihr besonderer Dank zum Gelingen des Festivals gilt?
Neben unseren Sponsoren wie z.B. Panasonic und VGH natürlich den Studenten und Kollegen, ohne die wir dieses Festival niemals hätten auf die Beine stellen können.

Professor Rolf Nobel – FH Hannover

Lieber Professor Nobel vielen Dank für dieses Interview. Wir wünschen Ihnen und allen Verantwortlichen ein erfolgreiches Lumix Festival 2010.

In einem Gastbeitrag für Bildwerk3 schildert er die Herangehensweise und die Umstände seiner Arbeit. Wer Fragen zu den Aspekten Überlegung, Planung und Umsetzung einer fotografischen Arbeit hat, kann sie hier gern stellen und ich denke, wir finden gemeinsam auch Antworten.

Vielen Dank schon einmal an den Fotografen Thomas Steuer für seine faszinierenden Aufnahmen und natürlich auch dafür, das wir sie hier zeigen dürfen.

© Thomas Steuer Fotodesign

Konzept und Planung

In meiner Diplomarbeit beschäftige ich mich mit den Seenotrettern der Deutschen Gesellschaft zur Rettung Schiffbrüchiger (DGzRS / www.seenotretter.de). Mein Interesse gilt den Menschen, die sich hinter den Seenotrettern verbergen – und der Thematik Meer überhaupt.

Helden, Retter, Seemänner. In meinen Bildern möchte ich Menschen zeigen, die den Naturgewalten trotzen, sie respektieren und mit nötigem Weitblick agieren. Helden, die sich darüber hinaus nicht als Helden fühlen, weil sie Profis sind.

Inhalt meines Konzeptes ist es, Seenotretter als Helden darzustellen und diesen inszenierten Portraits, Fotos des Arbeitsplatzes sowie des Einsatzes gegenüber zu stellen. Inhaltlich habe ich die Arbeit in 3 Aspekte gegliedert:  Mensch (Portrait) - Aufgabe (Arbeitsplatz-Fahrtaufnahmen-Technik) - Einsatz (Situation eines Schiffbrüchigen).

Die Fotos sollen eine eigene Bildsprache bekommen, damit eine geschlossene Geschichte erzählt werden kann. Nicht nur um Klischees zu bedienen, sondern vielmehr den Abbildungen Emotionen mit auf den Weg zu geben. Somit kann sich der Betrachter in die Situation hinein versetzen.

Gemessen an der heutigen Bildästhetik funktioniert dies mittels inszenierter Fotografie sowie einer Postproduktion die den Zeitgeist trifft. Den Look der Portraits werde ich in einem Testshooting definieren. Darauf werde ich den Stil der anderen Fotos aufbauen.

Ein großen Teil meiner Diplomarbeit verbrachte ich mit der Ausarbeitung und dem Feinschliff meines Konzeptes sowie der Planung und Organisation der einzelnen Fahrten an die verschiedenen Stationen der DGzRS.

Organisation und Umsetzung

Jedes Shooting wurde genau geplant. Angefangen bei Rent Equipment, Reiseablauf, Unterkunft, Termine bis hin zum Shooting-Plan mit genauen Einstellungen und Ablauf der Fotografie.

Selbstverständlich gewährte ich mir immer einen gewissen Puffer, da manche Ideen und auch Umsetzungen erst vor Ort entstanden sind. Nach der ersten Fahrt, wo ich 5 Stationen besucht hatte und ausschließlich Portraits gemacht habe, habe ich mit den ersten Eindrücken und den neu erworbenen technischen Hintergründen der Seenotrettung ein Storyboard angelegt.

Da ich verschiedene Aspekte der Arbeit der Seenotretter aufzeigen wollte, war dies ein absolutes Muss. Schließlich folgten nach einer Woche Planung nur 3-4 Fototage, da musste alles sitzen – Zeit etwas zu wiederholen gab es in den meisten Situationen nicht. Das Storyboard hat mich ständig begleitet, so konnte ich neu erfahrene interessante Aspekte direkt mit einfließen lassen beziehungsweise die einzelnen Fotothemen besser miteinander verknüpfen.

Das Hinsehen, Aufpassen beziehungsweise im Auge behalten soll in meinen Bildern aufgenommen werden.© Thomas Steuer Fotodesign

1. Bildbeispiel : Portrait

Die Seenotretter werden im Halbprofil fotografiert. Der wichtigste Bestandteil der Arbeit der Seenotretter liegt im Beobachten. Sie beobachten die See nach noch nicht aufgetauchten und sich in Seenot befindenden Personen und sie beobachten ihre Navigationsinstrumente. Neben dem Aspekt (Zivil-) Courage und Heroismus spielt folglich der Bereich Beobachtung eine entscheidende Rolle. Das Hinsehen, Aufpassen beziehungsweise im Auge behalten soll in meinen Bildern aufgenommen werden.

Auf dem Set kommen drei Leuchten zum Einsatz. Als Hauptlicht wird ein Engstrahlreflektor (P65) mit mittlerer Wabe von oben links eingesetzt. Von hinten rechts wird ebenfalls ein Engstrahlreflektor (P65) mit großer  Wabe als Gegenlicht gesetzt, was gleichzeitig die Aufhellung der zugewandten Wangenseite bedeutet. Man erhält ein durchzeichnetes Foto mit hohem Kontrast und harter Lichtführung, die die Thematik aus meiner Sicht unterstreicht. Die dritte Leuchte (Normalreflektor P75, mittlere Wabe) wird als Beleuchtung  des Hintergrundes eingesetzt.

Bezüglich der Perspektive werden die Personen leicht von unten fotografiert.  Da die Arbeit der Seenotretter durch die Arbeit im Team und das Alltagsleben in der Gemeinschaft geprägt ist, werden alle Seenotretter verschiedener Seenotkreuzer im gleichen Stil fotografiert.

Ähnlich wie in der Autofotografie mit einem RIG habe ich das Foto mittels einer ähnlichen, aber flexibleren Konstruktion umgesetzt © Thomas Steuer Fotodesign

2. Bildbeispiel : Fahrtaufnahmen

Diese Aufnahme entstand mittels Langzeitbelichtung. So entsteht ein Wischer/Bewegungsunschärfe im Hintergrund und der Vordergrund bleibt scharf. Ähnlich wie in der Autofotografie mit einem RIG habe ich das Foto mittels einer ähnlichen, aber flexibleren Konstruktion umgesetzt.

Mir war es wichtig, verschiedene Aspekte der Seenotrettung so umzusetzen wie es bisher noch nicht gemacht wurde. Durch die Wetterstimmung bekommt das Bild eine Stimmung, die dem Thema, wie ich finde, ganz gut gerecht wird.

Diese Aufnahme entstand mit einem Unterwasser-Gehäuse © Thomas Steuer Fotodesign

3. Bildbeispiel : Arbeitsplatz-Technik

Diese Aufnahme entstand mit einem Unterwasser-Gehäuse von IKELITE um meine DSLR(5DMARK2) zu schützen. So konnte ich verschiedene Aspekte der Seenotrettung, so wie hier Kommunikation über Funk in ihrer eigentlichen Umgebung umsetzen.

Der Effekt der fliegenden Gischt wird durch Wasser auf der Linse verstärkt, was mit dem großen Domeport möglich war. Dieser war unter anderem ein Muss um im Weitwinkelbereich arbeiten zu können.

Die Perspektive aus dem Wasser © Thomas Steuer Fotodesign

4. Bildbeispiel : Arbeitsgerät-Schiffsaufnahme

Bei dieser Aufnahme habe ich tatsächlich im Wasser gelegen. Ebenfalls mit einen UW-Gehäuse ausgestattet – Spezial Port für Weitwinkelaufnahmen. Gute Vorbereitung und wahrscheinlich das beste Team auf der Welt ganz in der Nähe, das einen herausfischt, falls etwas schief geht.

Bei dieser Aufnahme kam kein Photoshop zum Einsatz © Thomas Steuer Fotodesign

5. Bildbeispiel : Einsatzort

Für das Thema ist es wichtig diverse Landschaftsaufnahmen anzufertigen. Das weite Meer ist der Arbeitsplatz der Seenotretter.

Da ich nach Abschluss der fotografischen Arbeit ein Logbuch angefertigt habe, war mir im Vorfeld klar, dass ich eine große Bandbreite fotografischer Arbeiten abdecken muss. Vom Portrait über Reportage bis hin zur Landschaftsfotografie – ein Spagat sozusagen.

Zu dieser Aufnahme  muss ich sagen, das hier kein Photoshop zum Einsatz kam. Hüfttief durch das Wasser watend habe ich die Kamera mit einer längeren Belichtungszeit und Weitwinkelobjektiv geschwenkt. Kurz vor dem Sonnenuntergang und die vorhandenen Wolken verliehen dem Foto seine Stimmung.

Die Wellen sind in Wirklichkeit nicht so hoch © Thomas Steuer Fotodesign

6. Bildbeispiel: Situation eines Schiffbrüchigen

Mittlerweile würde ich dieses Foto als situative Landschaftsfotografie beschreiben. Ziel der Aufnahme war es, zu zeigen, wie ein Schiffbrüchiger sich fühlt und wie schwer auch eine Suche aus Sicht des Seenotkreuzers ist. Man sucht sprichwörtlich die Nadel im Heuhaufen. Dennoch soll dieses Foto natürlich auch Hoffnung vermitteln.

Wieder einmal habe ich mit dem Unterwasser-Gehäuse im Wasser gelegen. Hier habe ich gemerkt, das man Erfahrung bei Wasseraufnahmen braucht um ein gutes Foto zu bewerkstelligen. Die Wellen sind in Wirklichkeit nicht so hoch wie es aussieht. Durch die Kamerahaltung sowie ein extremes Weitwinkel entsteht dieser Effekt.

Ich hatte Glück mit dem Wetter, es gab eine geschlossene Wolkendecke © Thomas Steuer Fotodesign

7. Bildbeispiel: Portrait

Ehrlich gesagt wollte ich anfangs alle Portraits ähnlich wie dieses in Szene setzen. Doch bei Besatzungen von neun Mann pro Seenotkreuzer und vier Mann pro Törn brauchte ich eine Form, die unabhängig vom Wetter war. Aber dennoch wollte ich genauso ein Bild machen wie abgebildet.

Ich hatte Glück mit dem Wetter, es gab eine geschlossene Wolkendecke über dem Festland bis hin zum Strand. Wir standen auf einer Buhne und ich hatte einen akkubetriebenen Generator im Einsatz.

Ein Normalreflektor mit enger Wabe von oben rechts kam zum Einsatz. Was hier aussieht wie das Gegenlicht ist das Sonnenlicht. Der Trick ist den Blitz circa 1,5 Blenden heller einzustellen als das Umgebungslicht und schon erscheint der Himmel wesentlich dunkler als in Wirklichkeit. Der blaue Farbton entsteht durch die kühle Farbtemperatur die beim Entwickeln der RAW Dateien entstanden ist.

Postproduktion

Nach jedem Fototag erfolgte erst einmal die Sichtung der Daten per Laptop und Abgleich mit dem Shootingplan.

Zuhause am Arbeitsplatz wurden die Daten gesichtet und im Lightroom mit gleichzeitiger Archivierung verschiedenen Themenbereichen zugeordnet.  Alle ausgewählten Bilder wurden daraufhin in Photoshop bearbeitet.  Zuerst Kratzer und Staub entfernen.

Schließlich wurde bei einem Großteil der Bilder eine aufwendige Farbkorrektur durchgeführt. Ähnlich wie zu analogen Zeiten in der Dunkelkammer gefiltert wurde, habe ich diesen Fotos durch Farbkorrektur einen adäquaten Look verpasst. Im Anschluss  habe ich den lokalen Kontrast im Bild erhöht und eine separierte  Schärfung mittels Hochpassfilter angewandt.

Fazit

Um eine funktionierende Bildstrecke zu kreieren, bedarf es zu Einem Erfahrung, die ich durch mein Studium, sowie jahrelange Assistenz bei Fotografen erlangen konnte. Zum Anderen verlangt gute Qualität ein Konzept, das penibel aber dennoch mit viel Flexibilität geplant und umgesetzt wird. Eine eigene Bildsprache kann entstehen, wenn man mit viel Leidenschaft jeden Tag um gute Bilder kämpft.

Das folgende Interview stammt aus der aktuellen Ausgabe (3/2010) und wir dürfen das hier veröffentlichen. Vielen Dank an Stefan Hartmann!

Es geht die Fama, dass vor langer Zeit auf einer gemeinsamen Party von Getty- und Corbis-Mitarbeitern – beide Big Player sind ja Nachbarn in Seattle – einmal eine Wahrsagerin engagiert worden sei. Man wollte von der Dame wissen, welche Bilder im nächsten Jahr trendy und en vogue sein würden. Ob die Kristallkugel wirklich geholfen hat, ist leider nicht verbürgt.

Aber der wahre Kern der Geschichte dürfte sein, dass sie eine Ur-Angst von Bildagenturen thematisiert: Denn nichts fürchtet eine Agentur mehr, als den Trend der Zeit zu verschlafen, mit abgehangenen Bildern abgehängt zu werden. Und bei Kunden mit dem Stempel des „ewig gestrigen“ und angestaubten aussortiert zu werden.

Vorbei sind die Zeiten, in denen eine hochwertige Bildproduktion durchaus einige Jahre am Markt bestehen konnte, die Halbwertzeit von Agenturbildern sinkt mehr und mehr – zumindest in den umsatzstarken Genres wie People, Lifestyle, durchaus aber auch bei Travel-, Architektur oder Food-Fotografie.

Neu produzieren ist also angesagt. Aber was? Welche Themen? In welchen Farben? In welchem Stil? Trend-Scouting lautet das Zauberwort, Research-Teams, die Trendforschung betreiben, die weltweit Medien analysieren oder gar Scouts ausschicken, um die neuesten Entwicklungen zu antizipieren. Und das möglichst frühzeitig, denn das organisierte Produzieren von trendy Bildern braucht einfach seine Zeit.

Jasper White (Getty Images) inszeniert den Wirtschafts-Crash in der Mülltonne.

Stefan Hartmann: Trend-Scouting, für Uneingeweihte klingt das ein bisschen nach Lesen im Kaffeesatz. Was tun Sie, wenn die Kristallkugel einmal dunkel bleibt und die Runen versagen?

Pam Grossman: Glücklicherweise haben Trendanalysen nichts mit übersinnlicher Wahrnehmung zu tun – andernfalls hätten wir ein echtes Problem!

Wir bei Getty Images haben eine bessere Methode entwickelt, um herauszufinden, welche Bilder wir für unsere Kunden produzieren sollten. Wir bezeichnen diese Technik als „Hindsight, 20/20, and the Future” („Hinterher ist man immer klüger – und was bringt die Zukunft“), da sie eine echte 360-Grad-Sicht auf die visuelle Landschaft ermöglicht.

Wir schauen zurück, um zu sehen, was sich gut – oder auch weniger gut – verkauft hat; dann schauen wir uns um und nehmen die aktuellen Trends in der Medienlandschaft und der Branche im Allgemeinen in den Blick; und schließlich blicken wir nach vorne, um mithilfe demographischer Analysen, Daten – und ein wenig Intuition zu ermitteln – wie wir unsere Inhalte künftig planen sollten.

Vor der Zukunfts-Prognose steht die Analyse des Bestehenden. Welche Bereiche nehmen Sie bei einer systematischen Trend-Analyse unter die Lupe? Was alles untersuchen und analysieren Sie?

Das ist vollkommen richtig. Und wie bereits erwähnt, ist es primär wichtig, dass wir uns die Besucherstatistiken zu unserer Webseite, die Suchresultate und die Umsatzdaten aus der jüngsten Vergangenheit ansehen, um so zu analysieren, was für uns gut gelaufen ist und wo sich Veränderungen vollziehen.

Verbindet man all diese Basis mit intensiven Recherchen zu aktuellen Anzeigen- und Marketingkampagnen sowie der Beobachtung allgemeinerer sozialer und kultureller Veränderungen, dann erhält man tatsächlich ein relativ klares Bild: Es zeichnen sich Muster ab.

Wir werten jede Woche Hunderte von Magazinen, Blogs und Webseiten aus, um Fingerzeige zu derzeit relevantem Bildmaterial und Informationen zu Trends zu erhalten. Außerdem reden wir kontinuierlich mit unseren Kunden, um von ihnen direkt zu erfahren, was sie benötigen und in welche Richtung sie sich bewegen.

Zärtliches Familienfest mit Erdbeerkuchen von Lars Borges / Getty Images

Wie geht es praktisch weiter? Wie bringen Sie die Forschungserkenntnisse ihres Research-Teams – seien sie intuitiv oder auch statistisch gewonnen – ins Ohr Ihrer Producer und Fotografen und damit irgendwann aufs Bild?

Die Ergebnisse unserer Recherchen werden in Kreativ-Briefings und Trendreports zusammengefasst. Die werden dann an die Art Directors und Editorial-Teams in unserem Haus weitergeleitet, die sie als Futter für Brainstormings und Shooting-Pläne verwenden.

Außerdem teilen wir unsere Erkenntnisse auch unseren freien Fotografen mit, um sie dazu anzuregen, entsprechendes Bildmaterial zu produzieren. Sie wissen wohl, dass es in ihrem ureigenen Interesse liegt, diese Studien zu berücksichtigen, weil ihnen das hilft, die relevantesten – und damit bestverkäuflichen – Fotos und Filmclips zu produzieren.

Wie schaffen Sie es, große und langfristig wirksame Trends in Bildsprache zu übersetzen? Denn das Ziel sind ja umsatzträchtige Bildserien oder Kollektionen. Solche eher abstrakten Dinge wie „Rückkehr zur Natürlichkeit“ oder „gestiegenes Öko-Bewusstsein“ müssen sich ja irgendwie in konkreten Bildern illustrieren.

Ganz genau. Als wir etwa vor ein paar Jahren den Eindruck gewannen, dass ökologisch orientierte Bilder und Botschaften Hochkonjunktur haben würden, brachten wir einen Bericht zu dem Öko-Marketing-Trend heraus, den wir AspEn (Aspirational Environmentalism – gesteigertes Umweltbewusstsein) nannten. Und dieser Report ist nach wie vor höchst aktuell.

Aber um Ihre Frage zu beantworten: An langfristige Trends gehen wir ähnlich heran wie an allgemeinere Themen, etwa Wirtschaft oder Reisen. Intensives Sammeln von externen qualitativen und quantitativen Daten kombinieren wir mit den internen Erkenntnissen, die wir aus Suchresultaten und Umsätzen gewinnen. Außerdem führen wir mit unseren Kreativ-Teams im Haus regelmäßig Brainstormings durch. Denn unsere Art Directoren tun nichts lieber, als sich ein abstraktes Konzept vorzunehmen – zum Beispiel „Zuhause“ oder „Wellness“ – und sich neue Möglichkeit zu dessen optischer Umsetzung einfallen zu lassen.

Wie würde ein Trend-Forscher beispielsweise mit der jüngsten Banken- und Wirtschaftskrise umgehen? Naiv stelle ich mir vor, dass einerseits Motive gebraucht werden, die diese Entwicklungen inhaltlich und symbolisch pointiert auf den Punkt bringen. Auf der anderen Seite erzeugt diese globale Krise ja auch Sehnsüchte: den Wunsch nach Sicherheit, Geborgenheit, nach Idylle fern der feindlichen Welt.

Tatsächlich stellen wir auf unserer Webseite kostenlos einen Trendreport mit dem Titel „Getting Real“ zur Verfügung, in dem wir unsere Sichtweise zu eben diesem Thema erläutern. Sie finden diesen Report unter www.gettyimages.com/simple

Doch um es kurz zusammenzufassen: Zu Beginn betrachten wir die Dinge immer zuerst auf einem ganz konkreten, nüchternen Level. Aber es dauert meist nicht lange, bis wir auf eine emotionalere oder konzeptionellere Ebene springen. Natürlich ist jedem klar, dass unsere Kunden das Thema „Krise“ zu allererst einmal illustrieren wollen: So helfen beispielsweise Fotos von Schildern mit der Aufschrift „Zu Verkaufen“, Bilder von leeren Brieftaschen oder entlassenen Angestellten, die ihre persönlichen Habseligkeiten in Kartons nach Hause tragen, unseren Kunden dabei, die grundlegenden Informationen zur Finanzkrise zu veranschaulichen.

Aber genauso wichtig ist, das emotionale Klima rund um ein Thema zu untersuchen. Im Wirtschaftsbereich veröffentlichen die Medien so viele Storys, die mit Ängsten spielen oder gar blanke Sensationsmacherei sind und den Menschen wirklich Angst machen.

Wir wissen, dass in einer Krise aber immer auch solche Bilder großen Anklang finden, die Konzepte wie Vertrauen, Sicherheit und Trost vermitteln. Gerade in einer Finanzkrise haben die Menschen nur begrenzte Handlungsspielräume und große Sorgen. Sie wünschen sich, dass man auf realistische, authentische Weise mit ihnen kommuniziert.

Gleichzeitig sehnen sie sich aber auch nach Beruhigung und positiven Botschaften. Unser Creative Research-Team hat sich umfassend mit dem Konzept der „einfachen Freuden“ beschäftigt: Eine Verringerung unserer finanziellen Mittel trägt dazu bei, dass wir uns das, was wir haben und das, was wirklich zählt und uns daran erinnert, dass wir das Leben trotz allem genießen können, umso stärker vergegenwärtigen.

Bilder vom vertrauten Beisammensein mit den lieben Menschen, von Gartenarbeit oder Heimwerken, von Haustieren und dergleichen mehr erfreuen sich im Moment höchster Beliebtheit, weil sie hervorragend geeignet sind, um Wohlbefinden und Sicherheit zu transportieren.

Was wäre denn der zentrale kommende Trend, der unbedingt bedacht und beachtet werden muss?

Die Auswirkungen des wirtschaftlichen Klimas sind nicht zu unterschätzen, und deshalb gehe ich davon aus, dass wir auch künftig Bilder sehen werden, wie ich sie eben beschrieben habe. Allerdings nehme ich an, dass sich das noch fortentwickeln wird: Die Menschen beginnen, die Dinge selbst in die Hand zu nehmen, um unternehmerischer und eigenständiger zu handeln, anstatt nur dazusitzen und passiv auf Veränderungen zu warten.

Ich denke, dass sich das auch in den Lifestyle-Bildern widerspiegeln wird. Etwa durch eine Zunahme von Bildern von Kleinunternehmen, Erwachsenenbildung oder ehrenamtlichen Tätigkeiten. Wahrer Pionier- und Erfindergeist also.

Umgekehrt befassen wir uns aber auch mit dem Konzept der Gemeinschaft und Familie: sowohl der biologischen Familie als auch einer weiter gefassten Definition von Sippen oder sozialen Familien.

Wir haben im letzten Jahrzehnt so viel durchstehen müssen – Terrorismus, Krieg, Naturkatastrophen, finanzielle Zusammenbrüche – und ich glaube, dass wir als Weltbürger allmählich erkennen, dass wir alle aufeinander angewiesen sind und fähig sein müssen, uns aufeinander zu verlassen und uns umeinander zu kümmern.

„Der angeschlagene Skorpion“ von Michael Blann / Getty Images

Sie prognostizieren einen Siegeszug des Altruismus?

Ja. Ich meine, dass die „Ich-Generation“ allmählich von der „Wir-Generation“ abgelöst wird und wir viel mehr Bilder zu sehen bekommen werden, die Verantwortungsbewusstsein, Gemeinschaftssinn, Zusammengehörigkeit und gegenseitige Fürsorge visualisieren.

Gönnen Sie uns einen weiteren kurzen Blick in die lange Liste Ihrer Geheimnisse. Welcher Trend bestimmt das Verhalten mitteleuropäischer Senioren im nächsten Jahr? Oder welche neuen Themen treiben die Teens um? Welche Mode-Farbe bringt das Frühjahr 2011?

Sie sprechen hier zweifellos interessante Themen an. Doch eigentlich verfolgen wir nicht das Ziel herauszufinden, was demnächst in Mode kommen oder der letzte Schrei sein wird.

Was uns in erster Linie interessiert und letztlich unseren Kunden nützt, ist die Entwicklung einer übergreifenden Perspektive zu den großen kulturellen und visuellen Strömungen. Wir konzentrieren uns eher auf „Megatrends“. Auf diese Weise können wir das große Ganze im Blick behalten, anstatt unsere Ressourcen auf die Produktion von Bildmaterial zu verschwenden, das vielleicht schon in ein paar Wochen oder Monaten überholt und vergessen sein wird.

Sicher, wir leben in einer sich globalisierenden Welt mit sich abschwächenden nationalen Identitäten und Bildsprachen. Aber dennoch: England ist beileibe nicht Frankreich, Skandinavien reagiert anders als die USA. Wie geht ein weltweit operierender Global Player mit solchen regionalen und kulturellen Differenzen – gar zwischen den Kontinenten – um? Endet das nicht immer in einem schwächlichen kleinsten gemeinsamen Nenner?

Die kleine Familie der Chamäleons (Foto: Maarten Wouters / Getty Images) vermittelt Ordnung, Geborgenheit und gemeinsamer Aufbruch.

Nein! Die Tatsache, dass jeder Bilder hochladen kann – sei es nun meine Mutter oder irgendjemand in Vietnam – hat die Bilderbranche demokratisiert. Für uns bei Getty Images bedeutet dies, dass wir viele tausend Fotografen in allen Teilen der Welt haben. Und nach der Logik des Crowdsourcing sind eine Reihe dieser Fotografen außerordentlich talentiert – so beispielsweise diejenigen, die zu unserer Flickr-Kollektion beitragen.

Deren Bildmaterial hat ausgezeichnete kommerzielle Chancen. Wir haben jetzt Fotografen in 95 Ländern – von Antigua bis Vietnam – während früher fast ausschließlich Profi-Fotografen aus Europa und den USA das Bild bestimmten. Dank dieser Demokratisierung können wir leichter auf lokale Entwicklungen reagieren und gleichzeitig die globalen Trends besser absehen.

Außerdem haben wir sogenannte ‚Creative Headquarters‘ in Schlüsselmärkten auf der ganzen Welt, um regionalspezifische Inhalte produzieren zu können. Wir sind also in der glücklichen Lage, Themen mit kulturellen Eigenheiten wie Wirtschaft oder Gesundheitswesen in London genauso adäquat aufgreifen und vermitteln zu können wie beispielsweise in Tokio. Wir können sozusagen in die „lokale Tracht“ schlüpfen.

Welchen Input liefern eigentlich die permanent produzierenden Microstock-Fotografen zu der Analyse von Trends?

Nun, dieses Modell hat mit Sicherheit die Spielregeln in Bezug auf die Vorab-Produktion von Bildern wesentlich verändert. Ich würde aber nicht behaupten wollen, dass von den Microstock-Fotografen per se viel Input kommt, wenn es um kulturelle Trends geht.

Diese Fotografen versuchen genau wie wir Bilder zu produzieren, die kommerziell erfolgreich und für potenzielle Kunden von Bedarf sind. Aber, anders als bei uns, steht ihnen kein ausgewiesenes Rechercheteam zur Verfügung, das sie bei der Marktanalyse unterstützt. Sie müssen also alles selbst herausfinden. Es gibt eine ganze Reihe hervorragender Microstock-Fotografen, doch die Fotografen und Footage-Filmer bei Getty Images haben den Vorteil unserer Analysen und Empfehlungen. Und der ist immens.

Aber diese Microstock-Seiten sind relativ transparent in Bezug auf den ökonomischen Erfolg bestimmter Bilder.

Sicherlich, die meisten Microstock-Webseiten bieten die Möglichkeit, nach den „beliebtesten“ oder „am häufigsten heruntergeladenen“ Fotos zu suchen, woraus in gewisser Weise jeder ersehen kann, was die Kunden auf diesen Webseiten kaufen. Auch der Community-Charakter von vielen dieser Seiten trägt dazu bei, dass Microstock-Fotografen sich in ihren Foren und Blogs über die Frage austauschen, was man fotografieren sollte und was sich gut verkauft.

Es versteht sich jedoch, dass solche Informationen eher reaktiver als proaktiver Natur sind. Sie können sich letztlich nur auf das berufen, was in der Vergangenheit verkauft wurde und nicht auf das, was sich künftig verkaufen wird!

Gerade die großen Agenturen leben in der Bildsprache doch vom braven Mainstream, der schließlich die Masse des Umsatzes bringt. Wie passt der eher konservativ orientierte Mainstream und “echt trendy” – inklusive seines Risikos – zusammen?

Getty Images bedient ein breites Spektrum von Kunden, die allesamt höchst unterschiedliche Prioritäten haben. Wer etwa für ein geplantes Sachbuch Fotos von Mumbai kaufen möchte, braucht ausgezeichnete, aber ganz „übliche“ Aufnahmen von der Stadt, während der Creative Director einer Agentur womöglich ein künstlerisch hochwertig inszeniertes Bild benötigt, das das Konzept „Evolution“ veranschaulicht.

Entscheidend ist deshalb, dass wir stets hochqualitatives Bildmaterial bereitstellen, das allen Prioritäten – und allen Budgets – gerecht wird. Das haben wir immer schon getan, und das werden wir auch weiterhin tun. Dank der technischen Entwicklungen können wir relevante Bilder von Fotografen auf der ganzen Welt bereitstellen.

Darüber hinaus haben wir das Glück, die besten Kräfte der Branche im eigenen Haus zu beschäftigen: Unsere preisgekrönten Art Directoren, die sich ganz darauf konzentrieren können aufwändig produzierte, ästhetisch herausragende Bilder zu schaffen.

Schade, die Veröffentlichung des sehr interessanten MAP Reports wurde von Getty mittlerweile eingestellt. Er war für Bildkäufer immer ein recht guter Index dessen – oder doch eine Sammlung von Anregungen – , was uns mit einer gewissen Wahrscheinlichkeit erwarten wird. Heißt das, dass Getty auch seine Scouting-Aktivitäten herunter geschraubt hat?

Ganz und gar nicht. Wir setzen nur unsere Ressourcen künftig etwas überlegter ein. Schon in naher Zukunft werden wir weitere Trendreports und Galerien publizieren. Wir sind aber zu dem Schluss gelangt, dass es für unsere Kunden nützlicher ist, wenn wir statt nur einem oder zwei großen Reports pro Jahr unsere Veröffentlichungen häufiger bereitstellen. Es wird also demnächst eine ganze Reihe hilfreicher neuer Tools geben.

Diese beiden gegen den Rest der Welt von Amy Steigbigel (Flickr Collection/Getty Images)

Erlauben Sie mir zum Abschluss eine eher ironische Frage: Aktuellen Tendenzen nachzuspüren ist doch ein Wettlauf mit der Zeit, den man – per definitionem – immer verliert. Effektiver und auch spannender wäre es, selbst Trends kreieren zu können. Träumen Sie davon?

Das ist eine interessante Frage. Tatsächlich denke ich, dass unsere Kreativ-Teams derzeit außerordentlich spannende Arbeit leisten. Wir haben unseren Finger am Puls der gesamten Bild-Community, und so können wir Material produzieren, das nicht nur auf deren Bedürfnisse antwortet, sondern oft der Entwicklung vorangeht.

Aber ich bin nicht der Meinung, dass Trends per se „kreiert“ werden können. Ich glaube nicht, dass irgendjemand den „Ökotrend“ oder den Trend der „einfachen Freuden“ erfunden hat!

Wir sehen Trends als Muster und es ist an uns zu entscheiden, welche davon Aufmerksamkeit verdienen und wie wir sie am besten in der schönsten und effektivsten Weise interpretieren können. Das kann natürlich ein kompliziertes Unterfangen sein, aber es ermöglicht uns auch beide Gehirnhälften zu benutzen – also gleichzeitig höchst kreativ und höchst analytisch zu arbeiten. Und aus meiner Sicht gibt es nichts Spannenderes.

Pam Grossman, Creative Researcher bei Getty, studierte Kunstgeschichte und Anthropologie an der University of New York. „Ich wusste, dass es schwer wird, mit solchen Abschlüssen einen passenden Job zu finden. Aber ich bin total begeistert, dass es trotzdem geklappt hat.“